Boceteando I

Aprender los recursos principales de cada prodedimiento depende unicamente del estudio y de la práctica; pero por mucho oficio que se tenga, hay un ingrediente sin el cual la obra carecerá completamente de valor; me refiero a la sensibilidad del artista. Por su puesto muchas personas nacen con ese "DON", pero tambien es cierto que se puede  educar mediante la observación de obras de arte de los maestros.

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La luz pinta los  cuerpos; la sombra promueve el volumen; la luz y la sombra explican la  forma de los cuerpos.

Para representar el volumen dibujamos o pintamos tonos o colores de diferentes intensidades o valores; es decir, comparamos  valoramos unos tonos o matices respecto a otros, les damos un valor- este matiz es más claro que aquel etc-

La valoración es, por tanto, un aspecto básico tanto en el arte de dibujar como en de pintar.

Carrot le decia a Pissarro: " Usted es un artista y, por lo tanto, no necesita consejos salvo este: hay que estudiar, ante todo, los valores; no se puede hacer buena pintura sin ellos"

Para captar los valores de un tema, hay que saber ver, por un proceso de observación y comparación, las diferentes tonalidades que moldean los cuerpos. No es cuestion de cientos de matices; en realidad con solo unos cuantos grises diferentes, además del blanco y el negro.

Curiosidades III

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1576)
Cuando Miguel Ángel terminó la estatua de Moisés, una de sus obras más importantes, quedó momentáneamente alucinado ante la belleza de la escultura. Entonces tomó un martillo y empezó a golpear la estatua gritando: “¡Habla! ¡Habla!”


Charles Willson Peale, retratista norteamericano que pintó siete veces a George Washington, también hizo para él innovadoras dentaduras: dientes de alce montadas en plomo.


Los artistas consideran que los colores básicos son el amarillo, el rojo y el azul; pero los hombres de ciencia dicen que son el rojo, el verde y el azul. Ninguna combinación de pigmentos rojo, verde y azul producirá amarillo. Sin embargo, si un haz de luz roja y otro de luz verde se yuxtaponen, el resultado es amarillo. La respuesta a este acertijo reside, de forma primordial, en los modos diferentes en que se obtienen los colores con la luz y con los pigmentos.


Claude Monet trabajaba en los campos de hierba de los acantilados en Etretat sobre cinco o seis cuadros a la vez. A medida que cambiaba el tiempo, pasaba de una tela a otra.


La galería de arte más grande es el Palacio de Invierno y su vecino Hermitage en Leningrado, U.R.S.S. Uno tiene que caminar 24 kilómetros para visitar cada una de las 322 salas, que alojan cerca de tres millones de obras de arte y restos arqueológicos.


Como si no tuviera todo lo demás en su favor, Leonardo da Vinci fue descrito por gente que le conoció como “el hombre más bello que vivió jamás”.!!!Que tenia todo este hombre!!!...


En el siglo XIX, el pintor francés Jean Géricault estudió hombres agonizantes en un hospital, se afeitó la cabeza y se encerró con despojos humanos en el depósito de cadáveres. Esta fue su forma de llevar al extremo el espíritu del realismo social cuando estaba trabajando en su obra maestra, La Balsa de la Medusa. Había sido inspirado por un desastre marino en el cual 149 pasajeros de un barco hundido terminaron flotando en una balsa en el mar. Su Balsa provocó furiosas protestas de los miembros de la escuela clásica.



Existía un pigmento llamado marrón de momia que se obtenía de la descomposición de las momias que se importaban de manera clandestina desde el siglo XII.


El color llamado rose doré utilizado para los rostros se obtenía con la orina de las vacas indias previamente alimentadas con hojas de mango. Poco a poco fue cayendo en desuso.


El rojo intenso se hacía con ayuda de un insecto llamado "cochinilla".


El color más costoso era el azul ultramar, obtenido de una piedra semi preciosa, el lapislázuli. Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la Virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y extensión fuera objeto de  los contratos realizados entre los comitentes y el artista.


La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes más ligeros y fáciles de transportar.

Técnicas mixtas

En el mundo del dibujo y la pintura existen normas, fijas y básicas que se deben considerar clásicas y no sujetas a épocas, estilos o tendencias. Tales como las leyes de las perspectivas, proporciones del canon de la figura humana, los principios que rigen la composición. Pero hay otras como el estilo, la utilización de colores etc., que son libres, supeditadas a la manera de ser del artista y que constituyen la base que caracteriza la pintura de cada época y de cada pintor. La pintura es un camino sin fin, pues la capacidad creativa del hombre es prácticamente infinita y la posibilidad de investigar nunca se agota. Si el animo de una persona, si sus sentimientos y sensaciones, si la manera de ver las cosas y la forma de percibir las realidades y transmitirla pueden cambiarse ¿por qué no pueden hacerlo las técnicas con las que cada artista transmite su mensaje a su interlocutor? Toda técnica es valida para un dibujo. Pero dependiendo del tema y de lo que se desea comunicar, unas técnicas se hacen más idóneas que otras. Por tener un acabado mas delicado o más agresivo. El artista, por lo general, obedece a una necesidad de superar las limitaciones de una sola técnica. Un trabajo realizado con varias técnicas, bien utilizadas, enriquece cualquier obra. La curiosidad, la inquietud forman parte de la personalidad creativa, y se descubren técnicas mixtas por casualidad. Pero es sobre todo una manera personal de usar esos medios. Los ejercicios con técnicas mixtas nos introducen en un mundo cautivador sin fronteras y disfrutamos de la magia de la creación.Dibujar no es repetir como una maquina, se debe sentir y vivir una experiencia para poder comunicar de muchas formas.Muchos artistas (Degas, Manet, Redon y Picasso entre otros) Investigaron hace años técnicas mixtas con pasteles, en su afán por conservar mejor sus pinturas. El pastel es un medio pictórico que se remonta al S XVIII, aunque muchos pintores anteriores ya habían utilizado procedimientos similares como material de dibujo. La aceptación por parte de los pintores de este medio hizo que gran número de artistas lo adoptaran como un procedimiento que llegó a competir incluso con el óleo. Dado el carácter de fusión que permite el pastel, así como los contrastes que facilita sus impactos de color, posiblemente el procedimiento preferido de Redon, de hecho gran parte de su obra está realizada en pastel. Redon desempeño un importantísimo papel en las vanguardias artísticas y su influencia en pintores posteriores es más que evidente, Inició junto a Gustave Moureau la corriente simbolista, que sembocaria más adelante en el surrealismo encabezado entre otros por Dalí Me gusta el uso del pastel, de las tizas-pastel, su trazado es enérgico, con carácter. Los más blandos se deshacen con facilidad, suelen usarse como fondos. Pero ¿que pasa si al dibujo base realizado le superpongo pinceladas con gouache? Pues que la obra pierde frescura y pierde fragilidad. El pastel incluso fijado se desprende fácil con el dedo, pero no si se aplica gouache encima y se pueden realizar gruesos empastes, ganando en grosor y en intensidad consiguiendo así otras texturas. La pintura con óleo y pastel no es muy complicada pero se debe tener en cuenta que no todas las zonas deben empastarse con óleo; el pastel debe respirar a través de los trazos que se agregen. Hace años que los productos de Bellas Artes se han revolucionado y ahora hay una gran diversidad de ofertas, es interesante estudiarlas, todo esto es un mundo a explorar.