Acuarelas

Lamentablemente a lo largo de los años, las acuarelas se han rodeado de un halo de misticismo que han llevado a muchas personas, a creer que no era un medio para ellos. Y por lo tanto un medio solamente para artistas experimentados,es cierto que es un medio difícil y absorbente.

Las pinturas, pigmentos ligados con goma, una sustancia natural, soluble en agua. La goma arábiga, es el medio aglutinante, más común para las acuarelas, producida por varias especies de acacias del norte de África y norte del continente americano. El tragacanto procede de un arbusto espinoso y oriundo de Grecia y Turquía. El fabricante combina los pigmentos con diversos componentes, como goma y glicerina, para producir pinturas se mezclan con agua, y al diluirse producen una capa homogénea de color. Los pigmentos proceden de numerosas fuentes, algunas naturales y otras artificiales.
Las cajas, cumplen diversas funciones. No sólo contienen pinturas y, posiblemente, también un pincel sino que, también, protegen las pinturas evitando que se sequen, además la tapa sirve como paleta para preparar colores.
Las paletas, por lo general blancas, para poder ver mejor el color, algunas con recipientes profundos ideales para preparar grandes lavados.
Yo personalmente uso un azulejo blanco,pero se puede utilizar cualquier cosa, recipientes de yogourt,etc. Muchos artistas profesionales cuentan con un surtido de recipientes de lo más ecléctico.
Los pinceles, cada pincel es capaz de crear toda una gama de marcas, según la manera en que se sujete, a velocidad con la cual se mueve, el tipo de gesto, la cantidad de pintura que contenga y el tipo de papel.
Para el artista el pincel es el medio de expresión un instrumento sutil que hay que explotar, de la misma forma que el flautista saca provecho de su flauta. Trabaja en conjunción con la pintura, el agua y el papel, y ha de estar dispuesto a que todos estos elementos trabajen para nosotros. Así ,se puede dejar el pincel sobre el papel unos momentos para que el color se corra, en lugar de deslizarlo.
Cada manera de asirlo, nos proporciona un trazo diferente, un movimiento de muñeca, del codo, o en trabajos enormes del hombro.
En las acuarelas esta prohibido utilizar el blanco, así que se convierte en un elemento a tomar en cuenta. Tal vez ,se hagan trampas y se utilice, para corregir algún error.
Para proteger ese blanco, existen varias formas. El enmascarador, este producto se aplica sobre la pintura con un pincel o una pluma, al secarse forma una película delgada que protege la pintura mientras trabajamos , permitiéndonos trabajar con total libertad,.Para desprenderlo , solo debemos frotar con los dedos. También podemos usar cera, pero eso dependerá de los resultados que queramos. O lo que queramos expresar.







La textura ,se puede introducir, para aumentar el interés, incluso para demostrar su destreza. Dejando de lado lo demás, la textura es algo divertido, igual que el ruido y así como el ruido organizado se transforma en música, las texturas se pueden volver parte de las características , abstractas de la imagen. Experimenta, haz tuyas las técnicas y descubre otras por ti mismo.
Un vocabulario extenso aumenta los medios de que dispone para expresarse, le permite comunicar ideas complejas y le capacita para exponer ideas con mayor rapidez.

Dibujando

Ya he hablado antes de el carácter y debemos de tener en cuenta, que las personas de aspecto o comportamiento excéntrico pueden parecer muy interesantes como motivos potenciales, y, con toda probabilidad, demostraran serlo.
Pero ya decía, que los dibujos comunican claros estados anímicos (feliz, concentrado, triste o distraído)


En este dibujo, la mirada larga y sin un punto fijo ,de alguien que está absorto en la contemplación.
La delicadeza de estos dibujos radica en la fluidez del lenguaje gráfico, y en una familiaridad cómoda con los medios escogidos.

El contacto visual directo con el modelo siempre resulta un reto para el observador y también para el artista y el modelo durante el proceso.
Una bonita experiencia, que da como resultado unos dibujos cargados de emociones

Acuarelas

Las acuarelas poseen una transparencia fresca y reluciente, que yo considero irresistible. Pero, para moverse en este medio que considero FASCINANTE, es necesario comprenderlo, por lo tanto no se pueden tratar las acuarelas como si fuesen óleos o colores para carteles, de esta forma el papel se nos arruga formando charcos.
Quiero hacer una advertencia, uno de los atractivos y los inconvenientes de la acuarela es el hecho de que sea imprevisible, y así el inconveniente, se convierte en sorpresa y algunos efectos serán de lo más reveladores.


A menudo la gran protesta es: “No se que pintar…” Pues he aquí mi respuesta, se pinta lo que se ve. Nos invade el recuerdo de esas clases insulsas, en las que trabajamos con cacharros rotos. Pero, si miramos a nuestro alrededor, existen una innumerable cantidad de objetos que pintar. Cuando uno se dedica a la pintura, empieza a ver el mundo de otra forma “con ojos de artista” Así que no saber que pintar, es una mala excusa.
En principio, el cuadro se tiene que armar, y producir algo genuinamente tuyo.
Se tiende a creer, que el proceso creativo comienza cuando el artista lleva el pincel hacia el soporte, cuando verdaderamente las decisiones importantes han sido tomadas ya.
La acuarela es un medio flexible y satisfactorio.
Las personas extrovertidas, pueden trabajar con entusiasmo, disfrutando los riesgos. En cambio los meticulosos, mejor que utilicen una técnica más controlada.
Los materiales son verdaderas delicias, pequeños, exquisitos, y muy deseables. Nos parecen joyas preciosas, en sus envolturas brillantes.
Los pinceles, elegantes, confeccionados con materiales, como el pelo de marta, etc., mangos lacados, Las cajas ingeniosas obras maestras, y que contienen de casi todo (frascos para el agua, paletas y depósitos),


La textura, se introduce en la pintura por muy diversos motivos, pero la más importantes es que hace de funciones decorativas. Muchas veces, para el artista, el tema es una cuestión secundaria, frente a la satisfacción que producen la pintura, el papel y la superficie sobre la que se trabaja, esto se va desarrollando, y creando su propio estilo. Un accidente afortunado es una parte importante de toda buena acuarela, de esta forma debemos estar alerta y saber tomar decisiones rápidas. “UNA BUENA PINTURA ES EL RESULTADO DEL EQUILIBRIO ENTRE CONTROL Y LO INESPERADO”.

Innumerables texturas, las posibilidades son infinitas, algunas actúan por si mismas, otras como los cepillos, esponjas, ceras ,carboncillo,sal…

Efecto con sal. Si aplicamos sal sobre la acuarela húmeda, ésta absorberá el agua, quedando un aspecto jaspeado, cuando la retiremos una vez totalmente seca la pintura.

Los genios y sus retratos

Paul Delaroche(1797-1856) Artistas de todos los tiempos,detalle,1836-1841 Hemiciclo de l'Ecole des beaux-Arts, París.



El autorretrato no es un simple subgénero dentro del retrato, pues implica una relación radicalmente diferente con el sujeto-objeto de la representación, proporcionando una información de su carácter, en un momento de su vida. La indumentaria, la expresión es la escogida por el artista, y lo que pinta idealizado o no, es lo que el ve, o como quiere ser visto. Y no solo su imagen es la que se refleja, también sus conocimientos técnicos el movimiento de sus manos, en cada trazo de lápiz, su experiencia.
El autorretrato es un acto esquizofrénico, en un desdoblamiento del pintor que se mira como un "otro" en un espejo.
A través del autorretrato, el artista se enfrenta a su imagen, se enfrenta a una mirada que es la suya y dentro de la cual se abre un mundo no conocido ni por el mismo y así, en los autorretratos los pintores se nos aparecen como fantasmas bidimensionales, en un tiempo que ya no es el suyo, pero que pueden seguir ejerciendo su influencia y gozar de la pintura y las lecciones que de ella se extraen.

Francisco de Goya (1746-1828) Goya asistido por el doctor Arrieta,1820,Institute of Arts, Minneapolis.

La singularidad de Goya se expresa en el que posiblemente sea el más extraño autorretrato de la historia. En 1820 en agradecimiento al Doctor Arrieta, el cual le cura de su enfermedad, se trata de un doble retrato , en el cual se pinta con el doctor como si se estuvieran mirando a un espejo , frente a su lecho (recordando así su gratitud) nos encontramos la idea romántica de que en la enfermedad, en la invalidez física y su excitación, se encuentra la creación, expresando así la hipótesis de que la creación se encuentra en las profundidades de la psique, en esos espacios misteriosos, en el alma del artista, allí se encuentra con el mundo primitivo y de su infancia, y así convaleciente disfruta como un niño en su más alto grado.

Arnold Böcklin(1827-1901)Staaltiche Museen, Berlín.

Arnol Böcklin le vemos representándose como pintor con pincel en mano y paleta en otra y un esqueleto toca una melodía que vaticina su final, dejándose llevar por esa morbosa sensación.

Escrito por LILITH

http://www.theartwolf.com/self-portraits/leonardo-autorretrato.htm

Los genios I

...Y ciertamente el cielo a veces nos manda
algunos que no representan la humanidad, sino la divinidad misma.(Vasari)

Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867)
El Apoteosis de homero,1827.Musée du Luovre, París.

En términos latinos genius es asociado a la fuerza presente en la naturaleza "Gignere" engendrar, de aquí que el adjetivo "genial" se aplica a todo lo que fuese fecundo, y a considerar genial a aquellas personas capaces de generar o engendrar bellas ideas, bellas formas.
Pero, su precedente lo tenemos en Daimon socrático, es el espíritu dado al hombre en su nacimiento, con un carácter inexplicable y enigmático, una especie de mediador entre Dios y el hombre, por esto su paranormalidad.
"Nullum magnum ingenium sine mixtura dementiae"
Desde la antigüedad clásica se había establecido una estrecha vinculación entre creatividad y enajenación, entre inspiración y locura, como conceptos que se unían en el arista. Así se asocia esa "locura creativa" a la intensidad de la posesión divina y a ese entusiasmo provocado por las musas que daba lugar al éxtasis.

Y en esto nos sitúa al artista en una posición de trágico equilibrio entre ambos polos, y el artista hace de esto algo positivo y potencia así su creatividad, invirtiendo la lógica del dolor.
Uno de los ejemplos de desesperación es Vicent Van Gogh, el cual admite su locura como algo unido a la creatividad.
Un acto supremo de sublimación, pintarse a si mismo, porque la creación aleja la demencia y así, se autorepesenta tras la crisis que le llevo a automutilarse. Y como Jean-Baptiste Carpeaux, dominado por la paranoia y tal vez enfermo de cáncer y en un intento de transferir al lienzo sus infelicidad.
Se estima, que la grandeza de la obra de Dante no habría sido posible sin su dolor, que su divina comedia no se hubiera concebido sin el padecimiento en su vida.
"Por más que hagamos, sólo el sufrimiento parece hacernos alcanzar la perfección y de cuantas obras conocemos, no hay ninguna elaborada como la de Dante. Parece fundida en horno más encendido de su alma..."Thomas Carlyle, op. cit., Pág.199





Gustave Coubert (1819-1877) El desesperado, Colección particular.

El rechazo produce mucho dolor. Y nos encontramos con un artista que vive en constante contradicción, por un lado las ansias por desarrollar su arte y su genialidad libremente y por otro la estimación de su obra "Pues el cuadro no ha de ser inventado sino sentido".
El genio es inconformista, frente a los que viven atados a convenciones o ligados al parecer de otros, tiene una necesidad de ampliar su mundo.

Gustave Moreaux (1826-1898)Joven tracia encuentra la cabeza de Orfeo y su lira,1865,Musée d'Orsay,París.


Jonathan Swift: "Cuando en el mundo aparece un verdadero genio puede reconocérsele por este signo: todos los necios se conjurarán contra el".
Oscar Wilde: ""Como no fue genial no tuvo enemigos"
Desde XIX, cuando alguien sobresale de la media primero se le intenta callar, dando el calificativo de mediocre, pero si sobrevive a estos golpes de la incomprensión, cosa que suele ocurrir cuando ya ha muerto, se le rinde pleitesía. Y así el artista penetra en el secreto del universo, como dice Goethe.




Escrito por LILITH

Los ojos del artista

"Pero como el alma no tiene ninguna forma que puede ser relativa a ninguna forma material, no se la puede juzgar por la figura del cuerpo, o por la forma del rostro. Un cuerpo mal hecho puede encerrar una hermosa alma, y no se debe juzgar la buena o la mala naturaleza de una persona por los rasgos de su cara, pues esos rasgos no tienen ninguna relación con la naturaleza del alma, no tienen ninguna analogía sobre la que se puedan fundar siquiera conjeturas razonables"
Buffon,Oeuvres completètes, ed.Dumézil,t.IV,París,1836,pp.94-95




Una forma de invitar al espectador a ver la cosa representada, sin ser consciente del medio de representación, es la fotografía.
Su rápido desarrollo modificaron los hábitos artísticos y visuales, la imagen producida por la cámara negra, pronto estuvo cargada de valores, a un mismo tiempo buenos y malos.
La comunidad artística en un primer momento negó el valor artístico de estas imágenes, por su inhumanidad, pero le confirió un valor de verdad muy positivo.
Los pintores utilizan a menudo fotografías, para facilitar su trabajo y evitar las tediosas sesiones de poses con modelos al natural, aunque a menudo considerada una práctica vergonzante y oculta.
Para mi es importantísima la complicidad del pintor y su modelo, Mademioselle Rose (Delacroix) Cuadro de una delicadeza extraordinaria, se puede observar esa complicidad tan intima.

A lo largo de la historia el modelo desempeñará un papel importantísimo y una figura recurrente en la literatura. Pero el posar se convierte en una verdadera profesión .Los modelos más buscados no solo lo eran por su físico, sino por su experiencia y conocimiento de la profesión y considerados auténticos colaboradores del artista.
Pero esto no nos sorprende, pues no solo es importante contemplar las formas, sino de la excitación que causa la proximidad de lo real.
Cuentan de Géricault cuando trabajaba en su Húsar a caballo, cada día le traían un caballo al estudio, el cual no le servia para nada, pero así tenia un caballo siempre en su cabeza.

Hoy día somos conscientes de que una fotografía no es un registro, añadiéndole, que el fotógrafo debe tomar decisiones, visualizar (motivo, encuadre, óptica, además del revelado) Pero, la pintura se vio afectada y teniendo que adoptar así, una nueva técnica y prestando especial atención al detalle.
El realismo óptico solo capta las apariencias de las cosas por su oposición a su realidad, pero los artistas vanguardistas y su realismo antifotografico, actúan por medios plásticos e inducen a estados interiores

Dibujando

Carboncillo: Obtenido desde hace siglos quemando madera de forma controlada, uno de los materiales más antiguos de la historia. Cuanto más largo es el proceso de de carbonizado más blando es el carboncillo, extraído principalmente de la viña, que produce la mejor calidad, pero el sauce es el más común
Este produce grandes trazos negros.








Tiza: Carbonato de calcio, muy utilizado con el carboncillo; la case más común, es la de pizarra .Yo la prefiero al conté o el pastel. Pienso que es una buena forma de dar toques de luz al dibujo e incluso se puede mezclar con el carboncillo para dar tonos medios