" Quien pinta, escribe, compone, baila...piensa con los sentidos". ( Arnheim)

“Para que una obra de arte sea verdaderamente inmortal, es necesario que salga completamente de los confines de lo humano: el buen sentido y la lógica la perjudican. De este modo, se acercará al sueño y a la mentalidad infantil. La obra profunda será empujada por el artista a las profundidades más recónditas de su ser”
De Chirico, 1914
Giorgio de Chirico (1888-1978) se le define como el pintor de espacios enigmáticos, gélidos, solitarios ciudades habitadas por seres inquietantes. Apollineire los califica como espacios “metafísicos”, escalofriantes siluetas suspendidas en el vacío. Mostró gran interés por las lecturas filosóficas, los pintores románticos y el arte del Renacimiento , estos le influyen en la necesidad de crear espacios silenciosos y solemnes, figuras ilusionistas y sombras nítidas, todo se materializa en el cuadro como señales venidas desde la memoria.
Su musa es la soledad que vive De Chirico durante su hospitalización debido a desequilibrios nerviosos.
En los sueños las realidades se deforman y crean espacios. Donde los miedos las preocupaciones o los deseos ocultos toman vida, formando y definiendo el inconsciente.




“…gracias a él la imaginación acaso está a punto de reconquistar sus derechos” (Manifiesto del Surrealismo)
Los artistas surrealistas defienden el sueño porque deja emerger las fuerzas y los deseos ocultos liberando al inconsciente. La pintura surrealista, intenta apartare de la lógica, invirtiendo las relaciones establecidas para generar una crisis que permita crear un mundo libre y maravilloso.

El texto retrata y la imagen habla

En griego graphos significaba tanto algo escrito como algo dibujado o pintado, existe conexión entre pintura y escritura, pues ambas usan instrumentos sobre superficies para comunicar una idea, emoción o imagen. Históricamente, las letras empezaron como dibujos, y hasta cierto punto siguen siéndolo, innumerables generaciones después de los antiguos jeroglíficos e ideogramas. También es cierto que muchos artistas han usado las palabras como elementos de sus cuadros, Henri Michaux , convirtió el alfabeto en figuras que tienden a la alucinación.
Las pinturas rupestres nacidas para contar escenas o los hechos que decidieron mantener en la memoria previos a la alfabetización.
El parentesco entre poeta y pintor existe, les une una sensibilidad creadora, dejando atrás las formas, en otras palabras, la poesía es pintar con las palabras.
“Recurrimos a un arte en concreto en busca de algo que no encontramos en ningún otro”
Es cierto, como nos decía Puond , que recurrimos a la poesía en busca de imágenes. ¿Tan borrosos son los limites?? “
Un ejemplo de esto se puede ver en Hell Text (1991) de Annette Lemieux. Otro ejemplo en el que podemos ver como se sobrepasan los limites formales es The Monster’s Monologue, de Chistine Borland. Aquí todas las imágenes producidas por el artista las genera el cerebro del oyente.
Pero hay quien considera incestuosa esta relación, y tal vez “El título de un cuadro debería ser otro cuadro”.

Cuerpo y alma

"Pronto algunos reconocieron el gesto del que ve en el interior de las cosas y no hicieron más preguntas"
Egon Schiele,1911

Cuando hablamos de forma nos referimos a dos realidades; por un lado la apariencia externa de los objetos (su cuerpo) y, por otro, el modelo mental que tenemos de ellos (su alma), Algunas lenguas emplean distintas palabras para ambos conceptos, otras solo una. En todo caso, aunque estas dos realidades son bien diferentes, van siempre unidas, como las dos caras del al misma moneda.
Esta conexión entre forma y material o perceptiva (cuerpo) y forma general o conceptual (alma) se pone de manifiesto durante el acto perceptivo. La percepción no es un fenómeno pasivo sino un proceso activo: Los ojos sólo son receptores de estímulos, pero la mente, auténtica protagonista de la percepción, recoge estos estímulos y los analiza, sintetiza y relaciona con modelos adquiridos en experiencias previas.

Cada artista tiene una visión propia y particular nacida de su mundo interno, esta es transmitida por un lenguaje personal, pero ese mundo interior y ese lenguaje tan personal no se crea de la nada. Son horas de trabajo y contemplación, el artista construye un camino y enriquece su lenguaje. Así muchos artistas dedican horas a la observación y análisis del mundo que les rodea, y captar que se esconde detrás de cada forma y conectar así con la naturaleza y cultura del momento.

Si como decíamos las formas son apariencia del alma de las cosas, es decir, el continente que transporta un contenido, entonces las formas vivas deben de transmitir vida. Las formas de un animal deben transmitir vitalidad, pero no agresividad .


Cada forma expresa un contenido distinto. No transmite lo mismo una forma angulosa y compleja que una de suaves curvas y estructura simple...Un mismo tema puede ser abordado desde multiples puntos de vista, tantos como artistas.



Los mejores temas para estos estudios suelen ser los más conocidos ¿que hay más conocido que tu propio cuerpo? Una mano es una forma nada simple formada por una masa plana con cierto relieve: la palma, cinco estremidades que se pueden articular con puntos de inflexión: los dedos. Además del juego de la muñeca.
En fin, todo un mundo de formas al alcance de todos

Colores

"Dadme lodo y pintaré la piel de una Venus...siempre que pueda pintar a su alrededor los colores que yo quiera" (Delacroix)


El color no es una propiedad física de las formas, sino un fenómeno perceptivo. La luz, sobre las formas es la que define el color que percibimos de éstas. Bajo una luz blanca percibimos un limón amarillo. Pero lo vemos marrón en la sombra, naranja cerca del fuego...
Por eso, no se puede afirmar que el limón es amarillo, sino que únicamente que lo vemos de color amarillo. No se sabe la causa, pero si el mecanismo: el limón absorbe todos los colores del espectro cromático menos el que refleja.
Las carnaciones son un tema preocupante para numerosos pintores. ¿De que color es la piel? ¿Con que color se la debe representar? No hay una única respuesta, ya que depende de los tonos naturales del modelo, de la iluminación que recibe y de los colores del entorno, con los que interactúa. Si además añadimos una actitud abierta y creativa por parte del artista, las respuestas devienen infinitas.
Lucien Freud, nieto del creador del psicoanálisis. Nos muestra detrás de cada cuadro una historia que nos habla de su vida y todo lo que le rodea. Por medio de sus cuadros adivinamos la calidad de sus relaciones.
Sus modelos suelen ser sus amistades; según decía, no pedía nunca a alguien que posara para él si antes no se había iniciado entre ellos una relación de amistad. Su pintura no deja indiferente al espectador y recibe calificativos de “chocante, violenta, cruel, podrida y afectada” debido a su gran realismo con el que trata a la persona retratada. “Hay algo en la persona desnuda cuando la tengo delante que apela al respeto”.
Freud refleja la grandeza del ser humano en su máxima humanidad, con pastosas y grandes pinceladas de tonos carnosos, en todo su espectro de matices.

El arte ZEN

Zen tuvo gran importancia en el desarrollo artístico de China y especialmente en Japón. El Zen es un elemento para conectar arte con misticismo interno.
El concepto de arte en China y Japón engloba mucho más que el Occidental (música, pintura, caligrafía arreglos florales, ceremonia del Té, algunos deportes como tiro al arco y casi todas las artes marciales).
Difícil de entender desde el punto de vista europeo o americano, pero para los asiáticos el arte es la sutileza.
Cuenta más el proceso que el resultado final. Casi todas las expresiones artísticas necesitan movimientos que, es necesario concentrarse muchísimo y así conseguir una meditación profunda.
No es llevarse por la técnica es conectar con el inconsciente, así los movimientos surgen de forma natural, sin que la mente controle.
“El arte sin arte”

Algunos piensan que es la búsqueda de la inspiración divina. No se trata de una perfección técnica adquirida de forma consciente, es más bien llegar a hacer movimientos sin apenas fijarse en ellos, llegando a hacerlos con los ojos cerrados, de esta forma se deja uno llevar por la intuición, pues esta conecta directamente con la naturaleza divina de cada uno.

Zen, proporciona un gran impulso a las manifestaciones artísticas, el arte como expresión de la religiosidad y las obras no son reconocidas por su técnica sino por la paz de espíritu que proporcionan.
Nuestra sociedad afirma valorarla creatividad, pero en muchos casos , llamamos creatividad a la repetición sistemática de ideas y conceptos. Creemos que solo los genios son capaces de crear, así como que solo aquellos que se dedican a áreas artísticas tienen derecho a dar rienda suelta a su creatividad.
El Zen rompe con todo esto. Cualquier trabajo puede ser creativo, en Occidente creemos que solo hay una forma de hacer las cosas, tenemos una visión parcial del mundo. Pero la persona realmente creativa es capaz de ver más allá.
El Zen dice, que cualquier persona puede ser genio, solo deberá acceder a un conocimiento superior, si lo logramos, si llegamos a esa fuente de energía, la creatividad surge de manera espontánea.

“MANTENED LAS MANOS ABIERTAS, TODA LA ARENA DEL DESIERTO PASARÁ POR VUESTRAS MANOS. CERRAD LAS MANOS, SÓLO OBTENDREIS UN PUÑADO DE ARENA”

Sólo tenemos que notar las sensaciones que despiertan en nuestro cuerpo y dejarnos guiar por la intuición