Boceteando I

Aprender los recursos principales de cada prodedimiento depende unicamente del estudio y de la práctica; pero por mucho oficio que se tenga, hay un ingrediente sin el cual la obra carecerá completamente de valor; me refiero a la sensibilidad del artista. Por su puesto muchas personas nacen con ese "DON", pero tambien es cierto que se puede  educar mediante la observación de obras de arte de los maestros.

• 

La luz pinta los  cuerpos; la sombra promueve el volumen; la luz y la sombra explican la  forma de los cuerpos.

Para representar el volumen dibujamos o pintamos tonos o colores de diferentes intensidades o valores; es decir, comparamos  valoramos unos tonos o matices respecto a otros, les damos un valor- este matiz es más claro que aquel etc-

La valoración es, por tanto, un aspecto básico tanto en el arte de dibujar como en de pintar.

Carrot le decia a Pissarro: " Usted es un artista y, por lo tanto, no necesita consejos salvo este: hay que estudiar, ante todo, los valores; no se puede hacer buena pintura sin ellos"

Para captar los valores de un tema, hay que saber ver, por un proceso de observación y comparación, las diferentes tonalidades que moldean los cuerpos. No es cuestion de cientos de matices; en realidad con solo unos cuantos grises diferentes, además del blanco y el negro.

Curiosidades III

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1576)
Cuando Miguel Ángel terminó la estatua de Moisés, una de sus obras más importantes, quedó momentáneamente alucinado ante la belleza de la escultura. Entonces tomó un martillo y empezó a golpear la estatua gritando: “¡Habla! ¡Habla!”


Charles Willson Peale, retratista norteamericano que pintó siete veces a George Washington, también hizo para él innovadoras dentaduras: dientes de alce montadas en plomo.


Los artistas consideran que los colores básicos son el amarillo, el rojo y el azul; pero los hombres de ciencia dicen que son el rojo, el verde y el azul. Ninguna combinación de pigmentos rojo, verde y azul producirá amarillo. Sin embargo, si un haz de luz roja y otro de luz verde se yuxtaponen, el resultado es amarillo. La respuesta a este acertijo reside, de forma primordial, en los modos diferentes en que se obtienen los colores con la luz y con los pigmentos.


Claude Monet trabajaba en los campos de hierba de los acantilados en Etretat sobre cinco o seis cuadros a la vez. A medida que cambiaba el tiempo, pasaba de una tela a otra.


La galería de arte más grande es el Palacio de Invierno y su vecino Hermitage en Leningrado, U.R.S.S. Uno tiene que caminar 24 kilómetros para visitar cada una de las 322 salas, que alojan cerca de tres millones de obras de arte y restos arqueológicos.


Como si no tuviera todo lo demás en su favor, Leonardo da Vinci fue descrito por gente que le conoció como “el hombre más bello que vivió jamás”.!!!Que tenia todo este hombre!!!...


En el siglo XIX, el pintor francés Jean Géricault estudió hombres agonizantes en un hospital, se afeitó la cabeza y se encerró con despojos humanos en el depósito de cadáveres. Esta fue su forma de llevar al extremo el espíritu del realismo social cuando estaba trabajando en su obra maestra, La Balsa de la Medusa. Había sido inspirado por un desastre marino en el cual 149 pasajeros de un barco hundido terminaron flotando en una balsa en el mar. Su Balsa provocó furiosas protestas de los miembros de la escuela clásica.



Existía un pigmento llamado marrón de momia que se obtenía de la descomposición de las momias que se importaban de manera clandestina desde el siglo XII.


El color llamado rose doré utilizado para los rostros se obtenía con la orina de las vacas indias previamente alimentadas con hojas de mango. Poco a poco fue cayendo en desuso.


El rojo intenso se hacía con ayuda de un insecto llamado "cochinilla".


El color más costoso era el azul ultramar, obtenido de una piedra semi preciosa, el lapislázuli. Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la Virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y extensión fuera objeto de  los contratos realizados entre los comitentes y el artista.


La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes más ligeros y fáciles de transportar.

Técnicas mixtas

En el mundo del dibujo y la pintura existen normas, fijas y básicas que se deben considerar clásicas y no sujetas a épocas, estilos o tendencias. Tales como las leyes de las perspectivas, proporciones del canon de la figura humana, los principios que rigen la composición. Pero hay otras como el estilo, la utilización de colores etc., que son libres, supeditadas a la manera de ser del artista y que constituyen la base que caracteriza la pintura de cada época y de cada pintor. La pintura es un camino sin fin, pues la capacidad creativa del hombre es prácticamente infinita y la posibilidad de investigar nunca se agota. Si el animo de una persona, si sus sentimientos y sensaciones, si la manera de ver las cosas y la forma de percibir las realidades y transmitirla pueden cambiarse ¿por qué no pueden hacerlo las técnicas con las que cada artista transmite su mensaje a su interlocutor? Toda técnica es valida para un dibujo. Pero dependiendo del tema y de lo que se desea comunicar, unas técnicas se hacen más idóneas que otras. Por tener un acabado mas delicado o más agresivo. El artista, por lo general, obedece a una necesidad de superar las limitaciones de una sola técnica. Un trabajo realizado con varias técnicas, bien utilizadas, enriquece cualquier obra. La curiosidad, la inquietud forman parte de la personalidad creativa, y se descubren técnicas mixtas por casualidad. Pero es sobre todo una manera personal de usar esos medios. Los ejercicios con técnicas mixtas nos introducen en un mundo cautivador sin fronteras y disfrutamos de la magia de la creación.Dibujar no es repetir como una maquina, se debe sentir y vivir una experiencia para poder comunicar de muchas formas.Muchos artistas (Degas, Manet, Redon y Picasso entre otros) Investigaron hace años técnicas mixtas con pasteles, en su afán por conservar mejor sus pinturas. El pastel es un medio pictórico que se remonta al S XVIII, aunque muchos pintores anteriores ya habían utilizado procedimientos similares como material de dibujo. La aceptación por parte de los pintores de este medio hizo que gran número de artistas lo adoptaran como un procedimiento que llegó a competir incluso con el óleo. Dado el carácter de fusión que permite el pastel, así como los contrastes que facilita sus impactos de color, posiblemente el procedimiento preferido de Redon, de hecho gran parte de su obra está realizada en pastel. Redon desempeño un importantísimo papel en las vanguardias artísticas y su influencia en pintores posteriores es más que evidente, Inició junto a Gustave Moureau la corriente simbolista, que sembocaria más adelante en el surrealismo encabezado entre otros por Dalí Me gusta el uso del pastel, de las tizas-pastel, su trazado es enérgico, con carácter. Los más blandos se deshacen con facilidad, suelen usarse como fondos. Pero ¿que pasa si al dibujo base realizado le superpongo pinceladas con gouache? Pues que la obra pierde frescura y pierde fragilidad. El pastel incluso fijado se desprende fácil con el dedo, pero no si se aplica gouache encima y se pueden realizar gruesos empastes, ganando en grosor y en intensidad consiguiendo así otras texturas. La pintura con óleo y pastel no es muy complicada pero se debe tener en cuenta que no todas las zonas deben empastarse con óleo; el pastel debe respirar a través de los trazos que se agregen. Hace años que los productos de Bellas Artes se han revolucionado y ahora hay una gran diversidad de ofertas, es interesante estudiarlas, todo esto es un mundo a explorar.

BY DISI VON ZOMBIE!!!

Tatuajes

La practica de imprimir en la cuerpo diseños indelebles, a base de frotar pigmentos sobre heridas punzantes, está hoy muy extendida.
Pero si nos remontamos tiempo atrás, podemos encontrar formas de tatuajes muy antiguos en todos los continentes. El término procede de la voz tahitiana “Tatu” que significa “pinchar algo”. Los samoanos usaban complejos símbolos para honrar a sus comunidades, muchos de los cuales son la base para los típicos tatuajes tribales que se ven en la actualidad.
En Japón, los tatuajes servían para identificar a los criminales. Se les marcaba con una línea en la frente que significaba sus delitos. A la tercera ofensa, las líneas formaban el carácter japonés que significa “perro”.


Las primeras herramientas para tatuar, estaban fabricadas de piedras, palos o huesos de animales eran hechas a mano y puntiagudas. Con ellas se realizaba con precisión un pinchazo e insertaban el pigmento en la piel, era muy laborioso porque cada perforación se hacia por separado y luego se insertaba el pigmento.
Estas formas de tatuaje llegaron a través de los exploradores a Gran Bretaña desde Oriente y los escudos familiares, se convirtieron en tatuajes. Pero tras la invasión normanda (1066) esta practica se prohíbe durante siglos (los normandos veían el tatuaje como algo de bárbaros despreciándolo) hasta que llego el capitán James Cook, regresó de una expedición con un indígena tatuado cautivando así la imaginación de la gente.
Empezaron a tatuarse los marineros que regresaban con dibujos realizados por nativos de lugares como Japón, Polinesia. Poco después se instalan los tatuadotes en los puertos.

Las primeras referencias encontradas sobre tatuajes en América están en las cuadernos de bitácora de la Marina americana (principios del XIX). Los marineros se tatuaban los unos a los otros, con bastas agujas de metal. En tierra firme el tatuaje no lograba imponerse porque el proceso era caro y laborioso, un simple dibujo llevaba horas de ejecución. Esto cambió cuando el tatuador e inventor llamado Samuel O’Reilly inventó una máquina de tatuar moderna. Esta estaba basada en la imprenta autógrafa de Tomas Edison.
A partir de entonces el tatuaje se pudo realizar más rápido, con mayor detalle y mucho menos costoso.
El tatuaje hoy día ha ganado popularidad y aceptación, hay talleres por todas partes y revistas dedicadas al tema, pero con su popularidad, también han aumentado los avances para borrarlo, reduciendo así el impacto de ser para siempre.

El tatuaje siempre ha luchado y siempre lo hará para ser aceptado más allá de la rebeldía...
Pero siempre habrá una piel desnuda dispuesta a contar su historia

Sueños I

Hay quien se burla de los sueños y los consideran una perdida de tiempo. Pero están en nosotros, como los latidos del corazón.
Es un don precioso que expande la vida abriéndola a muchas otras. Todos los que son capaces de soñar deben comprender a los que no son capaces, porque nunca conocerán esa magia y pasar de la realidad al mundo de los sueños.
Todos los pueblos, en todas la épocas, sabían lo importante que es soñar. Nos explican todo lo que ansiamos saber dando sustancia a la convicción instintiva de que existen otros mundos…
Los sueños, o la fantasía, son una vía de escape a la realidad, hasta que llega el momento de atravesar la gran puerta definitiva que conduce al sueño mas largo.
Todo lo que ahora aceptamos como parte de nuestra vida fue en otro tiempo una fantasía: radio, electricidad, coches, etc...

Un científico puede deplorar la idea de que exista alguna conexión entre ciencia y fantasía, pero esta siempre llega primero. Es el fruto de la imaginación, y sin imaginación no existiría la ciencia.

“TODO INVENTO ES EL RESULTADO DE DE LA FANTASIA”

En nuestro interior hay un Cosmos muy grande con imágenes exquisitas o terroríficas. Las voces y la música de la mente, surgen con una inmensidad que no tiene nombre.
Nuestro Cosmos interior contiene todos los dioses y demonios inventados por la humanidad, con una gran carga mágica que anida en nuestros corazones y mentes.
La electricidad de la mente es la fantasía de donde brota todo.
Tal vez ,al adentrarnos en los mundos soñados por otras personas nos ayunen a conocernos a nosotros mismos.



Han existido tierras maravillosas desde siempre, lugares donde pueden suceder cosas asombrosas y no necesariamente agradables…
Han estado al otro lado del mar, de las cordilleras o más allá de las estrellas. Los hombres viajaban y contaban historias de países maravillosos ; gentes, lugares y criaturas asombrosas. El tiempo paso y esas historias resultaron ser ciertas. El mundo que nos rodea puede ser más grande de lo que registran los cartógrafos, porque existen en dimensiones que ellos son incapaces de delinear. Estos lugares no están lejos del alcance de la imaginación y podemos viajar a ellos sin mucha dificultad.
Necesitamos estos lugares porque son un escape y donde nuestros problemas se han resuelto y nos enseñan a que hay más vida que la que ven nuestros ojos.
La llave del país de la maravillas estan en nuestras manos.
Alicia tuvo que hacerse pequeña para poder recorrer el País de las Maravillas y nosotros…tendremos que hacer lo mismo.

El cuerno de Gabriel

El Cuerno de Gabriel es una figura ideada por Evangelista Torricelli, un discípulo de Galileo, que tiene la chocante característica


"Un área infinita requiere una cantidad infinita de pintura si la capa de pintura tiene un grosor constante. Esto no se cumple en el interior del cuerno, ya que la mayor parte de la longitud de la figura no es accesible a la pintura, especialmente cuando su diámetro es menor que el de una molécula de pintura. Si se considera una pintura sin grosor, sería necesaria una cantidad infinita de tiempo para que ésta llegase hasta el «final» del cuerno.

En otras palabras, llegaría un momento en el que el espesor de la trompeta sería más pequeño que una molécula de pintura con lo que, digamos, una gota de pintura cubriría el resto de la superficie de la trompeta (aunque fuera infinito). Así, que la superficie de la trompeta sea infinita no implicaría que la cantidad de pintura tenga que ser infinita."

Los ojos de Picasso

El alma de Picasso era un cristal vibrante… hasta el infinito. En sus años de mocedad estaba muy sensibilizado hacia el infortunio de los seres humanos, se identificaba con los débiles, aterido de frió y mal nutrido como ellos, que es históricamente la situación ideal en que el genio percibe ese magnetismo que le impulsa a realizar la obra maestra.

Entre 1901 y 1904, en que desarrolla la Epoca Azul, vivió en Barcelona y París, mantenido más por la fuerza de su espíritu y por una voluntad inflexible, que por los menguados medios materiales que le llevarían a arrojar al fuego sus propias obras para calentarse.

En aquel estudio de la barcelonesa Ribera de San Juan, que compartía con Ángel Fernández de Soto, el Joven Picasso salía en busca de las almas dolientes, provisto de su cuaderno de dibujo, eligiendo como modelos a mendigos, alcohólicos, ciegos…

Y así en esta profundidad de sentimiento, los ciegos atraen su atención.

Rafael Alberti le escribe un agudo y precioso poema a los ojos de Picasso:

“Siempre es todo ojos

No te quita los ojos.

Se come las palabras con los ojos

Es el siete ojos

Es el cien mil ojos

El gran mirón

como un botón marrón,

y otro botón.

El ojo de la cerradura

Por el que se ve la pintura.

El que te abre bien los ojos

Cuando te muerde con los ojos.

El ojo de la aguja

Que solo ensarta cuando dibuja. El que te clava los ojos

En un abrir y cerrar de ojos.

Pero Picasso en plena exaltación óptica, con el alma a flor de piel, llega a pensar que ”se debería sacar los ojos a los pintores, como se hace con los canarios, para que canten mejor”

Esta idea no va a favor de la plástica, sino en una sublimación del sentimiento de amor.

Esto es advertido de un modo negativo, por parte de un colega, pero a Picasso parece no afectarle.

A Max Jacob le escribe desde Barcelona:”los artistas de aquí, piensan que en mis cuadros hay demasiada alma y poca forma: es muy gracioso”.

El ciego ha perseguido a Picasso como una sombra, y es verdad que el amor es ciego

...Y tenía corazón (Simonet)

"Anatomía del corazón" más conocida como "¡Y tenía corazón!" del pintor Enrique Simonet y Lombardo.

Este cuadro se ha reproducido profusamente en Alemania y en España, desde hace muchos años

De Simonet injustamente olvidado, existen pocos datos. Nacido en Valencia de padres Malagueños, inicia estudios de Bellas Artes en su cuidad natal y posteriormente en Málaga.

“La anatomía del corazón” es obra que Simonet envía en 1890 como pensionado en Roma, ciñéndose al tema del desnudo, que debía realizarse en aquel año. La critica moderna interpreta el realismo de Simonet, en este lienzo, como un virtuosismo gélido, desvinculado de la tradición del tema y hasta se citan nombres, entre ellos el de Freuerbach, como posible inspirador.

Descuidando al igual que Goya cuando pinta El Cristo crucificado, las consideraciones científicas, y su única intención es pintar un desnudo dentro de las normas académicas más rigurosas.

Podemos ver una piel fina, tersa y limpia en la enferma, sin acuse de traumatismo de la reciente operación, sin apenas manchas de sangre en los paños blanquísimos.

El profesor, lentes de pinza, barba blanca y levita, sostiene en la mano el corazón recién extraído y tiene su mirada fija en El.

Pero, no con actitud científica de cirujano, sino queriendo representar, tal vez, un patetismo.

Por todo instrumento quirúrgico aparecen , sobre la mesa, dos cuchillos como de cocina, una esponja y un lebrillo con agua.

El aspecto del profesor es más bien germánico, su levita no corresponde enteramente al momento representado, ya que si por aquel tiempo no estaba generalizado el uso de la bata blanca, la naturaleza de la intervención, muy dura para un anciano, no permite ser realizada con una levita puesta. Tengamos en cuenta que este tipo de intervención, se hace necesario un delantal al menos