---En el minueto “al rovescio “(es decir “al revés”) de la Sonata para piano en do de Franz- Joseph Haydn (1732-1809), el segundo movimiento es exactamente igual al primero, pero interpretado al revés, Con el recurso conocido como recurrencia. Igualmente, en una parte del Pierrot Lunaire, de Arnol Schoenberg (1874-195), la música avanza hacía adelante hasta la mitad de la pieza, y a partir de ahí se toca exactamente igual pero al revés. Paul Hindermith (1895-1963) escribió algo aún mejor: en su obra Ludus Tonale, el postludio es, con la adición de un acorde final, igual al preludio, pero la partitura está tocada hacia arriba, hacia abajo y al revés.
---Viendo el pintor Edouard Monet (1832-1883) que sus cuadros eran sistemáticamente rechazados por todos los salones y galerías de exposiciones, No tuvo reparos en sufragarse él mismo un pabellón particular donde exponer sus cuadros un la Feria Universal de París de 1867. En dicho salón, que fue denominado "Salón de los Rechazados", dio cobijo, además de a cincuenta de sus obras, a las de muchos de sus amigos que comenzaban a revolucionar la pintura moderna.
---La Obra del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) titulada Paisaje Imaginario nº4(1953), suena necesariamente distinta en cada interpretación. Es imposible que suene igual salvo que se trate de una grabación, pues esta obra está compuesta para doce receptores de radio sintonizados al azar.
---Claro que obras musicales especiales a habido muchas. Por ejemplo, en cierta ocasión el rey Luís XI de Francia (1423-1483) ideó un nuevo divertimento musical para su corte. La novedad consistió en reunir una piara de cerdos en concierto. La "notas" se conseguían pinchando a los animales con distinta intensidad para que emitiesen un diferente chillido.
---En 1601, el pintor italiano Michelangelo Merisi o Amerighi, llamado el Cravaggio (1573-1610) recibió el encargo de pintar un cuadro sobre la muerte de la Virgen. Para añadir realismo a la obra, el pintor recurrió a utilizar de modelo el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber. Al conocer este hecho, los clientes, escandalizados, rechazaron la obra.
---Se ha calculado que si un copista transcribiera toda la obra musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Empleara unos veinticinco años en completar su labor, trabajando diez horas al día. Mozart pasa por ser el compositor (entiéndase que de calidad contrastada) más precoz y más rápido que ha existido nunca: por ejemplo, compuso ópera “La clemencia de Tito en Sólo 18 días y en otra ocasión compuso, transcribió , ensayó y estrenó en sólo cinco días su sinfonía en C mayor “kengel 425, conocida como Linz.
---El pintor neoclásico francés Jacques Louis David (1748-1825), pintor de cámara de Napoleón, solía pintar figuras de la mitología y la historia de las antiguas Grecia Y Roma caracterizadas por su fuerte musculatura, siempre desnudas y tocadas con unos cascos muy anacrónicos que a casi todos los que los observaban recordaban a los utilizados por los bomberos. De tan chocante referencia se dio justamente en llamar a estos personajes romanos pintados por David "pompiers", es decir, “bomberos”. Desde entonces, por extensión, se suele llamar así al estilo, al pintor o a la obra que no están inspirados en la realidad o en la observación, sino que se basan en tópicos y convencionalismos de dudosa veracidad historica.
---El pintor holandés Vicent van Gohg (1853-1890), en las fases agudas de su locura, sólo podía conciliar el sueño si rociaba el colchón y la almohada con alcanfor. Más y mejor conocido es que van Gogh intentó matar, en un acceso de locura, a su amigo y colega Paul Gauguin. Arrepentido de su acción, se autolesionó, cortándose parcialmente una oreja. Aunque sus crisis de demencia se debieron al parecer, a un problema de tipo genético, también contribuyó a ellas su escaso éxito artístico. Según todas las pruebas aportadas por biógrafos, de los 879 cuadros que se ha calculado que pintó en total, van Gogh sólo vendió un cuadro en vida: el titulado : “La viña roja”
---Se cuenta que el extravagante y romántico violinista italiano Niccoló paganini (1782-1840) estaba tan obsesionado con su calidad artística tan pagado de sí mismo que en ocasiones tocaba con cuerdas de violín gastadas, con la esperanza de que se rompieran en mitad de una interpretación y así el pudiese demostrar su virtuosismo en tal situación extrema. Además de sus dotes naturales (que eran de tal calibre que se corrió la voz de que eran fruto de un pacto con el diablo), su excepcional calidad técnica era fruto de un constante ejercicio que llegó a deformar tanto sus manos que, extendidas, median cada una 45 cm.
martes, 25 de octubre de 2011
domingo, 23 de octubre de 2011
Un mundo excéntrico (El dadaísmo)
Durante la primera guerra mundial, cierto número de escritores, pintores y músicos dieron vida a un movimiento cultural cuyo objetivo era la destrucción de los valores de la clase media que, según ellos, habían conducido a Europa a la contienda.
El movimiento se denominó “dadaísmo” y sus seguidores llevaban una vida deliberadamente excéntrica. Trataron de desacreditar todos los valores burgueses mediante una campaña de insultos librada contra todo aquel no dispuesto a adoptar sus principios. Los instrumentos de esta revolución fueron esculturas, cuadros y poesías que escandalizaron y ofendieron al público.
El movimiento se inició en Zurich en 1916, con la fundación del Cabaret Voltaire en un bar popular. Allí se celebraban incoherentes recitales, subrayados por campanadas, tamborileos y gritos.
El dadaímo evolucionó a través de la confusión y de las contradicciones de las creencias establecidas. Incluso su nombre es un misterio. El francés Hans Arp declaró : !Afirmo que Tristan Tzara fundó la palabra el 9 de febrero de 1916 a las 6 de la tarde. Estaba presente con mis doce hijos cuando Tzara pronunció esa palabra que nos llenó de justificado entusiasmo. Estoy convencido de que esa palabra no tiene importancia, y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por las fechas”.
“Imbéciles” fue uno de los términos más amables empleados por la respetable prensa suiza al describir al poeta Tzara, de origen ruso y a su compañero “artista” el alemán Hugo Ball
Pavoneándose en escena vestido con un cilindro azul de cartón y un cuello rojo, Ball fue la primera persona que utilizó las cegadoras luces rojas habituales en las discotecas de hoy. Pero con la misma rapidez que había aparecido se retiró a una vida casi monástica.
Mientras tanto, el dadaísmo invadió el mundo. En Nueva York dirigió el movimiento Fabian Lloyd, que por razones mejor conocidas por él adoptó el nombre Arthur Craven. Anteriormente, en París Lloyd había sobresaltado a las patrocinadoras de una exposición de arte despojándose de su ropa. No se sabe lo que le ocurrió. Zarpó a México en una pequeña embarcación con el propósito de llegar a Buenos Aires y nuca más se pupo.
El pintor Marcel Duchamp sucedió a Lloyd como cabeza de movimiento. El objetivo de Duchamp era subvertir los convencionalismos artísticos mediante una deliberada campaña “antiarte” en la que figura una versión de Mona Lisa con bigote.
Otra de sus obras consistía en una rueda de bicicleta atada a una silla y una pala quitanieves, titulada “Antes del brazo roto”. La obra maestra de Duchamp le exigió ocho años. Consistía en una composición abstracta formada por pintura, alambre, barniz y polvo de New York retenido entre dos láminas de cristal. Al ser transportado a una exposición en Brooklyn, en 1923, se rompió el cristal, pero Duchamp, imperturbable, anunció la obra con el titulo” El último refinamiento” y la colgó en la exposición. Todo lo hacía con la premeditada intención de rechazar el arte. Irónicamente hoy sus obras se cotizan a precios fabulosos.
Finalmente los dadaístas comprendieron que habían cumplido su misión y dejaron que las generaciones venideras emitiesen su dictamen.
El movimiento se denominó “dadaísmo” y sus seguidores llevaban una vida deliberadamente excéntrica. Trataron de desacreditar todos los valores burgueses mediante una campaña de insultos librada contra todo aquel no dispuesto a adoptar sus principios. Los instrumentos de esta revolución fueron esculturas, cuadros y poesías que escandalizaron y ofendieron al público.
El movimiento se inició en Zurich en 1916, con la fundación del Cabaret Voltaire en un bar popular. Allí se celebraban incoherentes recitales, subrayados por campanadas, tamborileos y gritos.
El dadaímo evolucionó a través de la confusión y de las contradicciones de las creencias establecidas. Incluso su nombre es un misterio. El francés Hans Arp declaró : !Afirmo que Tristan Tzara fundó la palabra el 9 de febrero de 1916 a las 6 de la tarde. Estaba presente con mis doce hijos cuando Tzara pronunció esa palabra que nos llenó de justificado entusiasmo. Estoy convencido de que esa palabra no tiene importancia, y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por las fechas”.
“Imbéciles” fue uno de los términos más amables empleados por la respetable prensa suiza al describir al poeta Tzara, de origen ruso y a su compañero “artista” el alemán Hugo Ball
Pavoneándose en escena vestido con un cilindro azul de cartón y un cuello rojo, Ball fue la primera persona que utilizó las cegadoras luces rojas habituales en las discotecas de hoy. Pero con la misma rapidez que había aparecido se retiró a una vida casi monástica.
Mientras tanto, el dadaísmo invadió el mundo. En Nueva York dirigió el movimiento Fabian Lloyd, que por razones mejor conocidas por él adoptó el nombre Arthur Craven. Anteriormente, en París Lloyd había sobresaltado a las patrocinadoras de una exposición de arte despojándose de su ropa. No se sabe lo que le ocurrió. Zarpó a México en una pequeña embarcación con el propósito de llegar a Buenos Aires y nuca más se pupo.
El pintor Marcel Duchamp sucedió a Lloyd como cabeza de movimiento. El objetivo de Duchamp era subvertir los convencionalismos artísticos mediante una deliberada campaña “antiarte” en la que figura una versión de Mona Lisa con bigote.
Otra de sus obras consistía en una rueda de bicicleta atada a una silla y una pala quitanieves, titulada “Antes del brazo roto”. La obra maestra de Duchamp le exigió ocho años. Consistía en una composición abstracta formada por pintura, alambre, barniz y polvo de New York retenido entre dos láminas de cristal. Al ser transportado a una exposición en Brooklyn, en 1923, se rompió el cristal, pero Duchamp, imperturbable, anunció la obra con el titulo” El último refinamiento” y la colgó en la exposición. Todo lo hacía con la premeditada intención de rechazar el arte. Irónicamente hoy sus obras se cotizan a precios fabulosos.
Finalmente los dadaístas comprendieron que habían cumplido su misión y dejaron que las generaciones venideras emitiesen su dictamen.
sábado, 22 de octubre de 2011
Leonardo da Vinci.
Cuando Leonardo da Vinci (452-1519) trabajó durante doce años en la estatua ecuestre de bronce que debería erigirse en Milán en memoria de Francesco Sforza, padre de su protector, Ludovico Sforza "El Moro", duque de Milán. La estatua, de siete metros de altura, hubiera exigido verter cien mil kilos de metal fundido en un molde con rapidez y la temperatura necesarias para que el enfriamiento fuera uniforme. Al fin, Leonardo diseñó un sistema de hornos múltiples que nunca llegaría a utilizar; una amenaza de guerra hizo que el metal reservado para la estatua fuera destinado a la fabricación de cañones. En 1493, se exhibió en Milán un modelo de arcilla del caballo, que fue aclamado como la obra más bella que jamás se hubiera visto. Al derrotar los franceses a los milaneses en 1499, los arqueros gascones utilizaron el modelo de arcilla para efectuar prácticas de tiro. Los daños causados por las flechas permitieron la entrada de agua en el modelo y, al cabo de algunos años, el caballo quedo totalmente destruido.
Entre los dibujos de diseños e invenciones legados por Leonardo da Vinci los expertos han creído reconocer prototipos y antecedentes de, al menos los siguientes artilugios actuales: El paracaídas, el chaleco salvavidas , la bomba de agua , las aletas para natación, la perforadora de pozos, el barco impulsado por paletas, el carro sin caballos (es decir el automóvil) , la cadena de rodillos, la pistola de vapor, la turbina de agua, una máquina para pulir lentes, las granadas de fragmentación, la ametralladora, el aeroplano, el helicóptero y el submarino. Se dice, incluso que Leonardo inventó también el primer despertador del que se tiene noticia, que consistía en un dispositivo que frotaba los pies del durmiente. Asimismo, se ha comprobado que tuvo nociones o intuiciones respecto a conceptos tan modernos como la fabricación en cadena, los fósiles, la circulación de la sangre, teorías astronómicas no geocéntricas y otras muchas relativas la caída de los cuerpos y a la anatomía. Su poder de observación y su gran habilidad para el dibujo eran tales que sus dibujos de ondas y burbujas en el agua solamente pudieron ser mejorados por la cámara fotográfica. Sin embargo, gran parte de su genio resultó infructuoso. Guardó estas ideas para sí mismo, anotadas en voluminosos cuadernos de notas explicativas escritas de derecha a izquierda, que solo pueden ser leídas en un espejo, hurtando la mayoría de aquellos avances a los ojos de sus contemporáneos. La mayor parte de sus cuadernos permanecieron sin leer publicados hasta bien entrado el siglo XIX , e incluso algunos fueron encontrados y dados a la luz en 1965 en la biblioteca nacional de España de Madrid. De la capacidad y el tesón de Leonardo da Vinci da fe, por ejemplo, el hacho de que, cumplidos ya los sesenta años, sufrió un ataque de parálisis que le inmovilizó el brazo derecho; él no se arrendó por ello y rápidamente aprendió a pintar con la mano izquierda.
Entre los dibujos de diseños e invenciones legados por Leonardo da Vinci los expertos han creído reconocer prototipos y antecedentes de, al menos los siguientes artilugios actuales: El paracaídas, el chaleco salvavidas , la bomba de agua , las aletas para natación, la perforadora de pozos, el barco impulsado por paletas, el carro sin caballos (es decir el automóvil) , la cadena de rodillos, la pistola de vapor, la turbina de agua, una máquina para pulir lentes, las granadas de fragmentación, la ametralladora, el aeroplano, el helicóptero y el submarino. Se dice, incluso que Leonardo inventó también el primer despertador del que se tiene noticia, que consistía en un dispositivo que frotaba los pies del durmiente. Asimismo, se ha comprobado que tuvo nociones o intuiciones respecto a conceptos tan modernos como la fabricación en cadena, los fósiles, la circulación de la sangre, teorías astronómicas no geocéntricas y otras muchas relativas la caída de los cuerpos y a la anatomía. Su poder de observación y su gran habilidad para el dibujo eran tales que sus dibujos de ondas y burbujas en el agua solamente pudieron ser mejorados por la cámara fotográfica. Sin embargo, gran parte de su genio resultó infructuoso. Guardó estas ideas para sí mismo, anotadas en voluminosos cuadernos de notas explicativas escritas de derecha a izquierda, que solo pueden ser leídas en un espejo, hurtando la mayoría de aquellos avances a los ojos de sus contemporáneos. La mayor parte de sus cuadernos permanecieron sin leer publicados hasta bien entrado el siglo XIX , e incluso algunos fueron encontrados y dados a la luz en 1965 en la biblioteca nacional de España de Madrid. De la capacidad y el tesón de Leonardo da Vinci da fe, por ejemplo, el hacho de que, cumplidos ya los sesenta años, sufrió un ataque de parálisis que le inmovilizó el brazo derecho; él no se arrendó por ello y rápidamente aprendió a pintar con la mano izquierda.
viernes, 21 de octubre de 2011
Genio de las falsificaciones
La mayoría de los falsificadores de arte son maestros en un determinado estilo o materia. El falsificador que produce un Matisse pasable hará generalmente una burda imitación de algún otro artista. Pero éste no es el caso de Alceo Dossena.
Dossena, restaurador italiano de esculturas deterioradas, dedicó en 1916 aplicar sus notables dotes a la falsificación. Talló esculturas falsas, en estilos que comprendían desde la antigua estatua griega a las figuras góticas en madera. Podía labrar la piedra, fundir el bronce y cocer terracotas.
Tan prodigiosa era la habilidad de Dossena que los críticos de arte y los entendidos juzgaban a menudo sus imitaciones superiores a las piezas auténticas. Las creaciones artísticas de Dossena en el estilo de Simone Martíni eran especialmente notables. Martíni había sido pintor pero jamás, que se supiera, fue escultor. Docena estudió su cuadro de la “Anunciación” y trasladó la figura de la Virgen a una escultura sedente en madera: Los expertos proclamaron que aquello era un importante descubrimiento y los historiadores de arte se apresuraron a modificar sus textos.
Parte de éxito de Dossena se debía a su habilidad para encontrar materiales auténticos y envejecer sus tallas. Las autenticas esculturas góticas en madera, por ejemplo, eran doradas o pintadas con frecuencia. Para conseguir estos efectos ponía en remojo tallas policromadas antiguas, de poco valor, y marcos pintados. Utilizaba la madera para hacer nuevas estatuas y aplicaba sobre ellas los fragmentos de pintura que antes había desprendido. Para otorgar a sus esculturas en mármol apariencia de antiguas las sumergía en ácido cuya formula se negó siempre a revelar.
Sus falsificaciones se expusieron en los principales museos. Aunque la creciente cantidad de obras maestras descubiertas en poco tiempo comenzó a despertar sospechas, nadie pudo imaginarse que todas ellas procedían de un solo artista.
Cuando Dossena confesó finalmente haber falsificado varias estatuas famosas, tanto los compradores como los expertos de los museos se negaron a creerle, Incluso hoy día quedan todavía en galerías y colecciones obras suyas atribuidas a viejos mastros..
Dossena, restaurador italiano de esculturas deterioradas, dedicó en 1916 aplicar sus notables dotes a la falsificación. Talló esculturas falsas, en estilos que comprendían desde la antigua estatua griega a las figuras góticas en madera. Podía labrar la piedra, fundir el bronce y cocer terracotas.
Tan prodigiosa era la habilidad de Dossena que los críticos de arte y los entendidos juzgaban a menudo sus imitaciones superiores a las piezas auténticas. Las creaciones artísticas de Dossena en el estilo de Simone Martíni eran especialmente notables. Martíni había sido pintor pero jamás, que se supiera, fue escultor. Docena estudió su cuadro de la “Anunciación” y trasladó la figura de la Virgen a una escultura sedente en madera: Los expertos proclamaron que aquello era un importante descubrimiento y los historiadores de arte se apresuraron a modificar sus textos.
Parte de éxito de Dossena se debía a su habilidad para encontrar materiales auténticos y envejecer sus tallas. Las autenticas esculturas góticas en madera, por ejemplo, eran doradas o pintadas con frecuencia. Para conseguir estos efectos ponía en remojo tallas policromadas antiguas, de poco valor, y marcos pintados. Utilizaba la madera para hacer nuevas estatuas y aplicaba sobre ellas los fragmentos de pintura que antes había desprendido. Para otorgar a sus esculturas en mármol apariencia de antiguas las sumergía en ácido cuya formula se negó siempre a revelar.
Sus falsificaciones se expusieron en los principales museos. Aunque la creciente cantidad de obras maestras descubiertas en poco tiempo comenzó a despertar sospechas, nadie pudo imaginarse que todas ellas procedían de un solo artista.
Cuando Dossena confesó finalmente haber falsificado varias estatuas famosas, tanto los compradores como los expertos de los museos se negaron a creerle, Incluso hoy día quedan todavía en galerías y colecciones obras suyas atribuidas a viejos mastros..
La otra Mona Lisa
La Mona Lisa sonríe misteriosamente No sólo desde las paredes de Louvre (Paris) sino desde la de un piso de Kensington (Londres). Según su custodio el doctor Henry Pulitzer. Esta última no es una reproducción, sino otra versión del propio maestro, Leonardo da Vinci.
A pesar de existir más de sesenta pretendidas Mona Lisas catalogadas en el mundo, el doctor Pulitzer, inventor, sabio y experto en arte, está convencido de la autenticidad de esta otra Mona Lisa.
En su opinión, Leonardo da Vinci ejecutaba generalmente dos o más versiones de sus retratos. El modelo original fue Mona Lisa de Giocondo, mujer de un noble florentino. Por aquel entonces llevaba luto por la muerte de una hija de corta edad y se ponía un velo transparente durante las sesiones.
Leonardo invirtió cuatro años en hacer el retrato y finalmente lo entregó a la familia Giocondo. Entonces, poco antes de marchar a Francia, invitado por Francisco I, Giuliano de Médicis le pidió que hiciese un retrato de su amante, Constanza d’Avalos .Daba la coincidencia de que Constanza no sólo se parecía algo a Mona Lisa, sino que también era apodada “La Gioconda” que significa más o menos “La sonriente”.
Leonardo adaptó una de sus versiones del retrato de Mona Lisa de Giocondo, borrando la cara y pintando la de Constanza. Pero cuando acababa de concluir su trabajo, Giuliano rompió con su amante para contraer un matrimonio muy ventajoso y no compró el cuadro.
Según el doctor Pulitzer, fue este segundo cuadro el que Leonardo se llevo consigo, junto con sus demás obras no vendidas, a Paris. El doctor Pulitzer está convencido de que esta versión –La de Constanza—la que engalana los muros de Louvre.
El otro retrato –el de la mujer de Giocondo que era diecinueve años más joven que “La Gioconda” – permaneció en poder de la familia florentina hasta que finalmente, fue a parar a Inglaterra donde lo adquirió a principios del siglo William Blazer, experto en arte y conservador del Museo de Arte de Holburne of Menstrie , en Bath y posteriormente un grupo suizo al que pertenece el doctor Pulitzer.
El doctor Pulitzer ha hecho examinar el cuadro por el procedimiento de la fotografía microscópica y afirma que las huellas dactilares del bastidor son idénticas a las de otras obras de Leonardo de autenticidad comprobada.
Otra demostración de la autenticidad del cuadro es un apunte tomado por Rafael cuando Leonardo todavía estaba pintando el cuadro en su estudio. En el hay detalles, entre ellos dos columnas en segundo término, que aparecen en el cuadro de Londres, pero no en la versión del Louvre. Asimismo, la modelo más joven del retrato lleva un velo de luto, fino y transparente.
A pesar de existir más de sesenta pretendidas Mona Lisas catalogadas en el mundo, el doctor Pulitzer, inventor, sabio y experto en arte, está convencido de la autenticidad de esta otra Mona Lisa.
En su opinión, Leonardo da Vinci ejecutaba generalmente dos o más versiones de sus retratos. El modelo original fue Mona Lisa de Giocondo, mujer de un noble florentino. Por aquel entonces llevaba luto por la muerte de una hija de corta edad y se ponía un velo transparente durante las sesiones.
Leonardo invirtió cuatro años en hacer el retrato y finalmente lo entregó a la familia Giocondo. Entonces, poco antes de marchar a Francia, invitado por Francisco I, Giuliano de Médicis le pidió que hiciese un retrato de su amante, Constanza d’Avalos .Daba la coincidencia de que Constanza no sólo se parecía algo a Mona Lisa, sino que también era apodada “La Gioconda” que significa más o menos “La sonriente”.
Leonardo adaptó una de sus versiones del retrato de Mona Lisa de Giocondo, borrando la cara y pintando la de Constanza. Pero cuando acababa de concluir su trabajo, Giuliano rompió con su amante para contraer un matrimonio muy ventajoso y no compró el cuadro.
Según el doctor Pulitzer, fue este segundo cuadro el que Leonardo se llevo consigo, junto con sus demás obras no vendidas, a Paris. El doctor Pulitzer está convencido de que esta versión –La de Constanza—la que engalana los muros de Louvre.
El otro retrato –el de la mujer de Giocondo que era diecinueve años más joven que “La Gioconda” – permaneció en poder de la familia florentina hasta que finalmente, fue a parar a Inglaterra donde lo adquirió a principios del siglo William Blazer, experto en arte y conservador del Museo de Arte de Holburne of Menstrie , en Bath y posteriormente un grupo suizo al que pertenece el doctor Pulitzer.
El doctor Pulitzer ha hecho examinar el cuadro por el procedimiento de la fotografía microscópica y afirma que las huellas dactilares del bastidor son idénticas a las de otras obras de Leonardo de autenticidad comprobada.
Otra demostración de la autenticidad del cuadro es un apunte tomado por Rafael cuando Leonardo todavía estaba pintando el cuadro en su estudio. En el hay detalles, entre ellos dos columnas en segundo término, que aparecen en el cuadro de Londres, pero no en la versión del Louvre. Asimismo, la modelo más joven del retrato lleva un velo de luto, fino y transparente.
sábado, 17 de septiembre de 2011
Un tesoro en el escritorio, el papel.
Antes del descubrimiento del papel, los soportes que se utilizaban para escribir eran huesos, caña de bambú, tabillas de madera o tejido de seda. Sin embargo, la seda tenía un coste elevado y el bambú muy pesado.
El papel más antiguo que todavía se conserva data de entre el año 100 y el 200 a.C. Se confeccionaba a partir de trapos de lino. Alrededor del siglo VI, la industria china del papel experimentó un gran auge. Y apareció el papel “SHIUAN” que debe su nombre a Shiuan Chou, el primer lugar de su fabricación.
Una leyenda cuenta que un discípulo del inventor del papel, Tsai Lun, vivió en esta cuidad y trabajó en esta industria. Su mayor deseo era producir un papel ideal, que fuera blanco como para dibujar un retrato de su maestro y hacer un libro. Sin embargo, pese a múltiples experimentos, fallaba una y otra vez. Un día en el valle, vio por casualidad unos árboles caídos junto a un arroyo. Estaban descompuestos y tenían un color blancuzco por efecto del tiempo transcurrido.
Se le ocurrió emplear la corteza de ese árbol para producir papel blanco y finalmente lo consiguió.
Desde entonces, este papel ha sido muy apreciado e indispensable para la caligrafía y la pintura.
Este papel compacto de texturas maravillosas. Favorece la clara distinción de los matices de las tintas; y su absorción es natural, resistente a la polilla, el calor y la luz. Se le denomina “papel precioso de mil años”
Se divide.
SHIUAN CRUDO
SHIUAN MADURO
SHIUAN INTERMEDIO
Este papel hoy día se hace con cortezas de árboles de morera, de paja, arroz, etc. En Occidente se incluye en la denominación de papel de arroz y en la mayor parte de tiendas de bellas artes.
El papel más antiguo que todavía se conserva data de entre el año 100 y el 200 a.C. Se confeccionaba a partir de trapos de lino. Alrededor del siglo VI, la industria china del papel experimentó un gran auge. Y apareció el papel “SHIUAN” que debe su nombre a Shiuan Chou, el primer lugar de su fabricación.
Una leyenda cuenta que un discípulo del inventor del papel, Tsai Lun, vivió en esta cuidad y trabajó en esta industria. Su mayor deseo era producir un papel ideal, que fuera blanco como para dibujar un retrato de su maestro y hacer un libro. Sin embargo, pese a múltiples experimentos, fallaba una y otra vez. Un día en el valle, vio por casualidad unos árboles caídos junto a un arroyo. Estaban descompuestos y tenían un color blancuzco por efecto del tiempo transcurrido.
Se le ocurrió emplear la corteza de ese árbol para producir papel blanco y finalmente lo consiguió.
Desde entonces, este papel ha sido muy apreciado e indispensable para la caligrafía y la pintura.
Este papel compacto de texturas maravillosas. Favorece la clara distinción de los matices de las tintas; y su absorción es natural, resistente a la polilla, el calor y la luz. Se le denomina “papel precioso de mil años”
Se divide.
SHIUAN CRUDO
SHIUAN MADURO
SHIUAN INTERMEDIO
Este papel hoy día se hace con cortezas de árboles de morera, de paja, arroz, etc. En Occidente se incluye en la denominación de papel de arroz y en la mayor parte de tiendas de bellas artes.
"Lo bello es feo y lo feo es bello"
Los historiadores y artistas nos han proporcionado definiciones de lo bello, y hemos podido reconstruir una historia de las ideas estéticas a través de los tiempos. No ocurre igual con la fealdad, que siempre se define por oposición a lo bello, y nunca se le han dedicado estudios extensos.
Decir que belleza y fealdad son conceptos relacionados con épocas y con culturas no significa que no se haya intentado siempre definirlos en relación a un modelo estable.
Se podría sugerir como hizo Nietzsche “Crepúsculo de los ídolos” que “en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de perfección y “se adora con ello”, el hombre en el fondo se mira en el espejo de las cosas, y considera bello que le devuelve la imagen … lo feo se entiende como señal de degeneración…Todo indicio de agotamiento, de pesadez, senilidad, fatiga, de falta de libertad, el olor , la forma, el color, descomposición… todo esto provoca un juicio de valor feo. ¿A quien se odia? Sin duda la decadencia de su tipo.
La más completa “Estética de lo feo” la elabora Kart Rosenkratz, establece una analogía entre lo feo y el mal moral. Del mismo modo que el mal y el pecado se oponen al bien y son su infierno.
En el mundo cristiano todo el universo es bello porque es obra divina, y esta belleza total incluso redime en cierto modo la fealdad y el mal; no obstante, la expresión humana de la divinidad, Jesucristo, que sufrió por nosotros, es representada en el momento de su máxima humillación.
Siguiendo las huellas de San Agustín encontraremos en el pensamiento escolástico varios ejemplos de justificación de la fealdad en el marco de la belleza total del universo, donde la fealdad y el mal adquieren valor. Se diría que los monstruos son bellos porque son seres y como tales contribuyen a la armonía del conjunto y que aunque el pecado destruye el orden de las cosas, este orden es restablecido por el castigo por lo cual los condenados al infierno son ejemplo de una ley de armonía. Pero también es posible atribuir la impresión de fealdad a efectos de percepción, falta de luz distancia incorrecta, o atmósfera neblinosa.
“San Agustín, (S.IV-V)”
“¿Hay algo más tétrico que un verdugo?
¿Hay algo más feroz y cruel que ese espíritu? Pero en las leyes ocupa un lugar necesario y forma parte del orden de un estado bien gobernado(…) ¿Hay algo que pueda considerarse más repugnante que las prostitutas. Los proxenetas y otras plagas al estilo? Haz desaparecer a la meretrices de la sociedad y lo convulsionarás todo con pasiones desordenadas. Ponlas en el puesto de las honestas y lo deshonrarás todo con la culpa y la desvergüenza.
Los poetas han utilizado lo que llaman solecismos y barbarismos; han preferido, cambiando los nombres, llamarlos figuras y transformaciones, en vez de evitarlos como errores evidentes. Pues bien, quítalos de las poesías , y notaremos la falta de suavísimas atenuaciones. Reúne muchos en un sola composición y me causará irritación porque todo será relamido, pedante y afectado.
El orden que los rige y los modera no soportará que haya demasiados ni que estén en todas partes.”
Decir que belleza y fealdad son conceptos relacionados con épocas y con culturas no significa que no se haya intentado siempre definirlos en relación a un modelo estable.
Se podría sugerir como hizo Nietzsche “Crepúsculo de los ídolos” que “en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de perfección y “se adora con ello”, el hombre en el fondo se mira en el espejo de las cosas, y considera bello que le devuelve la imagen … lo feo se entiende como señal de degeneración…Todo indicio de agotamiento, de pesadez, senilidad, fatiga, de falta de libertad, el olor , la forma, el color, descomposición… todo esto provoca un juicio de valor feo. ¿A quien se odia? Sin duda la decadencia de su tipo.
La más completa “Estética de lo feo” la elabora Kart Rosenkratz, establece una analogía entre lo feo y el mal moral. Del mismo modo que el mal y el pecado se oponen al bien y son su infierno.
En el mundo cristiano todo el universo es bello porque es obra divina, y esta belleza total incluso redime en cierto modo la fealdad y el mal; no obstante, la expresión humana de la divinidad, Jesucristo, que sufrió por nosotros, es representada en el momento de su máxima humillación.
Siguiendo las huellas de San Agustín encontraremos en el pensamiento escolástico varios ejemplos de justificación de la fealdad en el marco de la belleza total del universo, donde la fealdad y el mal adquieren valor. Se diría que los monstruos son bellos porque son seres y como tales contribuyen a la armonía del conjunto y que aunque el pecado destruye el orden de las cosas, este orden es restablecido por el castigo por lo cual los condenados al infierno son ejemplo de una ley de armonía. Pero también es posible atribuir la impresión de fealdad a efectos de percepción, falta de luz distancia incorrecta, o atmósfera neblinosa.
“San Agustín, (S.IV-V)”
“¿Hay algo más tétrico que un verdugo?
¿Hay algo más feroz y cruel que ese espíritu? Pero en las leyes ocupa un lugar necesario y forma parte del orden de un estado bien gobernado(…) ¿Hay algo que pueda considerarse más repugnante que las prostitutas. Los proxenetas y otras plagas al estilo? Haz desaparecer a la meretrices de la sociedad y lo convulsionarás todo con pasiones desordenadas. Ponlas en el puesto de las honestas y lo deshonrarás todo con la culpa y la desvergüenza.
Los poetas han utilizado lo que llaman solecismos y barbarismos; han preferido, cambiando los nombres, llamarlos figuras y transformaciones, en vez de evitarlos como errores evidentes. Pues bien, quítalos de las poesías , y notaremos la falta de suavísimas atenuaciones. Reúne muchos en un sola composición y me causará irritación porque todo será relamido, pedante y afectado.
El orden que los rige y los modera no soportará que haya demasiados ni que estén en todas partes.”
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