Los genios y sus retratos

Paul Delaroche(1797-1856) Artistas de todos los tiempos,detalle,1836-1841 Hemiciclo de l'Ecole des beaux-Arts, París.



El autorretrato no es un simple subgénero dentro del retrato, pues implica una relación radicalmente diferente con el sujeto-objeto de la representación, proporcionando una información de su carácter, en un momento de su vida. La indumentaria, la expresión es la escogida por el artista, y lo que pinta idealizado o no, es lo que el ve, o como quiere ser visto. Y no solo su imagen es la que se refleja, también sus conocimientos técnicos el movimiento de sus manos, en cada trazo de lápiz, su experiencia.
El autorretrato es un acto esquizofrénico, en un desdoblamiento del pintor que se mira como un "otro" en un espejo.
A través del autorretrato, el artista se enfrenta a su imagen, se enfrenta a una mirada que es la suya y dentro de la cual se abre un mundo no conocido ni por el mismo y así, en los autorretratos los pintores se nos aparecen como fantasmas bidimensionales, en un tiempo que ya no es el suyo, pero que pueden seguir ejerciendo su influencia y gozar de la pintura y las lecciones que de ella se extraen.

Francisco de Goya (1746-1828) Goya asistido por el doctor Arrieta,1820,Institute of Arts, Minneapolis.

La singularidad de Goya se expresa en el que posiblemente sea el más extraño autorretrato de la historia. En 1820 en agradecimiento al Doctor Arrieta, el cual le cura de su enfermedad, se trata de un doble retrato , en el cual se pinta con el doctor como si se estuvieran mirando a un espejo , frente a su lecho (recordando así su gratitud) nos encontramos la idea romántica de que en la enfermedad, en la invalidez física y su excitación, se encuentra la creación, expresando así la hipótesis de que la creación se encuentra en las profundidades de la psique, en esos espacios misteriosos, en el alma del artista, allí se encuentra con el mundo primitivo y de su infancia, y así convaleciente disfruta como un niño en su más alto grado.

Arnold Böcklin(1827-1901)Staaltiche Museen, Berlín.

Arnol Böcklin le vemos representándose como pintor con pincel en mano y paleta en otra y un esqueleto toca una melodía que vaticina su final, dejándose llevar por esa morbosa sensación.

Escrito por LILITH

http://www.theartwolf.com/self-portraits/leonardo-autorretrato.htm

Los genios I

...Y ciertamente el cielo a veces nos manda
algunos que no representan la humanidad, sino la divinidad misma.(Vasari)

Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867)
El Apoteosis de homero,1827.Musée du Luovre, París.

En términos latinos genius es asociado a la fuerza presente en la naturaleza "Gignere" engendrar, de aquí que el adjetivo "genial" se aplica a todo lo que fuese fecundo, y a considerar genial a aquellas personas capaces de generar o engendrar bellas ideas, bellas formas.
Pero, su precedente lo tenemos en Daimon socrático, es el espíritu dado al hombre en su nacimiento, con un carácter inexplicable y enigmático, una especie de mediador entre Dios y el hombre, por esto su paranormalidad.
"Nullum magnum ingenium sine mixtura dementiae"
Desde la antigüedad clásica se había establecido una estrecha vinculación entre creatividad y enajenación, entre inspiración y locura, como conceptos que se unían en el arista. Así se asocia esa "locura creativa" a la intensidad de la posesión divina y a ese entusiasmo provocado por las musas que daba lugar al éxtasis.

Y en esto nos sitúa al artista en una posición de trágico equilibrio entre ambos polos, y el artista hace de esto algo positivo y potencia así su creatividad, invirtiendo la lógica del dolor.
Uno de los ejemplos de desesperación es Vicent Van Gogh, el cual admite su locura como algo unido a la creatividad.
Un acto supremo de sublimación, pintarse a si mismo, porque la creación aleja la demencia y así, se autorepesenta tras la crisis que le llevo a automutilarse. Y como Jean-Baptiste Carpeaux, dominado por la paranoia y tal vez enfermo de cáncer y en un intento de transferir al lienzo sus infelicidad.
Se estima, que la grandeza de la obra de Dante no habría sido posible sin su dolor, que su divina comedia no se hubiera concebido sin el padecimiento en su vida.
"Por más que hagamos, sólo el sufrimiento parece hacernos alcanzar la perfección y de cuantas obras conocemos, no hay ninguna elaborada como la de Dante. Parece fundida en horno más encendido de su alma..."Thomas Carlyle, op. cit., Pág.199





Gustave Coubert (1819-1877) El desesperado, Colección particular.

El rechazo produce mucho dolor. Y nos encontramos con un artista que vive en constante contradicción, por un lado las ansias por desarrollar su arte y su genialidad libremente y por otro la estimación de su obra "Pues el cuadro no ha de ser inventado sino sentido".
El genio es inconformista, frente a los que viven atados a convenciones o ligados al parecer de otros, tiene una necesidad de ampliar su mundo.

Gustave Moreaux (1826-1898)Joven tracia encuentra la cabeza de Orfeo y su lira,1865,Musée d'Orsay,París.


Jonathan Swift: "Cuando en el mundo aparece un verdadero genio puede reconocérsele por este signo: todos los necios se conjurarán contra el".
Oscar Wilde: ""Como no fue genial no tuvo enemigos"
Desde XIX, cuando alguien sobresale de la media primero se le intenta callar, dando el calificativo de mediocre, pero si sobrevive a estos golpes de la incomprensión, cosa que suele ocurrir cuando ya ha muerto, se le rinde pleitesía. Y así el artista penetra en el secreto del universo, como dice Goethe.




Escrito por LILITH

Los ojos del artista

"Pero como el alma no tiene ninguna forma que puede ser relativa a ninguna forma material, no se la puede juzgar por la figura del cuerpo, o por la forma del rostro. Un cuerpo mal hecho puede encerrar una hermosa alma, y no se debe juzgar la buena o la mala naturaleza de una persona por los rasgos de su cara, pues esos rasgos no tienen ninguna relación con la naturaleza del alma, no tienen ninguna analogía sobre la que se puedan fundar siquiera conjeturas razonables"
Buffon,Oeuvres completètes, ed.Dumézil,t.IV,París,1836,pp.94-95




Una forma de invitar al espectador a ver la cosa representada, sin ser consciente del medio de representación, es la fotografía.
Su rápido desarrollo modificaron los hábitos artísticos y visuales, la imagen producida por la cámara negra, pronto estuvo cargada de valores, a un mismo tiempo buenos y malos.
La comunidad artística en un primer momento negó el valor artístico de estas imágenes, por su inhumanidad, pero le confirió un valor de verdad muy positivo.
Los pintores utilizan a menudo fotografías, para facilitar su trabajo y evitar las tediosas sesiones de poses con modelos al natural, aunque a menudo considerada una práctica vergonzante y oculta.
Para mi es importantísima la complicidad del pintor y su modelo, Mademioselle Rose (Delacroix) Cuadro de una delicadeza extraordinaria, se puede observar esa complicidad tan intima.

A lo largo de la historia el modelo desempeñará un papel importantísimo y una figura recurrente en la literatura. Pero el posar se convierte en una verdadera profesión .Los modelos más buscados no solo lo eran por su físico, sino por su experiencia y conocimiento de la profesión y considerados auténticos colaboradores del artista.
Pero esto no nos sorprende, pues no solo es importante contemplar las formas, sino de la excitación que causa la proximidad de lo real.
Cuentan de Géricault cuando trabajaba en su Húsar a caballo, cada día le traían un caballo al estudio, el cual no le servia para nada, pero así tenia un caballo siempre en su cabeza.

Hoy día somos conscientes de que una fotografía no es un registro, añadiéndole, que el fotógrafo debe tomar decisiones, visualizar (motivo, encuadre, óptica, además del revelado) Pero, la pintura se vio afectada y teniendo que adoptar así, una nueva técnica y prestando especial atención al detalle.
El realismo óptico solo capta las apariencias de las cosas por su oposición a su realidad, pero los artistas vanguardistas y su realismo antifotografico, actúan por medios plásticos e inducen a estados interiores

Dibujando

Carboncillo: Obtenido desde hace siglos quemando madera de forma controlada, uno de los materiales más antiguos de la historia. Cuanto más largo es el proceso de de carbonizado más blando es el carboncillo, extraído principalmente de la viña, que produce la mejor calidad, pero el sauce es el más común
Este produce grandes trazos negros.








Tiza: Carbonato de calcio, muy utilizado con el carboncillo; la case más común, es la de pizarra .Yo la prefiero al conté o el pastel. Pienso que es una buena forma de dar toques de luz al dibujo e incluso se puede mezclar con el carboncillo para dar tonos medios

Dibujando

Todo en este mundo puede ser motivo de dibujo, lo más importante en esta disciplina es disfrutar, sin importar mucho el resultado, todo llegará.
Se debe tener en cuenta que el mejor artista es aquel, que comprendiendo los principios y aceptándolos, los rompe o mejor dicho los interpreta.
He dicho en otra entrada lo importante que es la composición, en esta nada debe ser discordante y se debe evitar la simetría absoluta. Pero, si miramos los maestros antiguos nos damos cuenta, que tales reglas sirven también para romperse.
Cuando empezamos un dibujo, ¿Quién no tiene miedo a estropear el lienzo, con ideas grandiosas, que surgen de nuestras mentes? Esto no debe ocurrir así, parece que llamamos al fracaso.
No hay dos artistas que enfoquen un dibujo igual. Así, que como ya he dicho todo es adaptable.
La verdad es que todo lo que se necesita para hacer un dibujo, es una hoja de papel y algo para dibujar. Cuando entramos en una tienda de Bellas Artes, parece que entramos en la cueva de la maravillas, todo son cosas tentadoras, pero no todas son necesarias, ni convenientes.
Me gustaría dedicar las siguientes entradas, a diferentes técnicas de dibujo y algunos pequeños tesoros que me han acompañado siempre. No hay ninguna magia en el saber dibujar, “A dibujar se aprende dibujando”.
Yo soy una gran aficionada a los rotuladores o marcadores, los cuales cada día están llegando al mercado, con nuevas formas y mejoradas.
Se dice, que los artistas del marcador son especialistas que aprenden una amplia gama de técnicas que se ajustan al producto.

Debemos experimentar todo lo que llega a nuestras manos, y sabemos que los marcadores también pueden sustraerse de su embases comerciales, para colorear grandes extensiones y producir originales dibujos coloristas.Pero existen limitaciones con esta técnica, es decir, no podemos reproducir imágenes tradicionales con colores planos.
Debemos abrir nuestras mentes y comprobar que algunos productos que nos son tan familiares y muy útiles a la hora de escribir, pueden producir dibujos sorprendentes. Un artista no depende de utensilios convencionales (lápices, plumas, etc.)

La gasolina:
Si, esa que normalmente utilizamos para mecheros es muy versátil, y casi esencial para el artista de marcadores, puede alargar la vida de estos; También crea una amplia gama de texturas.

Si rocías primero con gasolina el área que vas a iluminar, el color del marcador permanece húmedo, pudiendo realizar los trazos sin que el marcador se seque, y así se mezclan y funden los trazos, obteniendo un resultado muy uniforme.
A esto se le debe añadir la elección del papel, pero esto ya es otra historia.

Escrito por LILITH

El pensamiento “imaginactivo” (Betty Edwars)

Los psicólogos concuerdan en que casi todos tenemos aptitudes creativas que van más allá de las que utilizamos en la vida diaria. El problema está en aprovechar esa parte del cerebro en que se encuentran localizadas la mayoría de esas habilidades. En vez de que permitamos a nuestra mente brillar con creatividad, nos limitamos a procesar datos en forma lógica, igual que los ordenadores.
Se sabe que el aparentemente silencioso hemisferio derecho “Cerebro Artístico y emocional” puede procesar sus resultados mediante sueños, símbolos, actitudes y repentinas intuiciones.




En su cuaderno de dibujo Betty Edwards (profesora de arte conocida por su libro de 1979, Dibujar usando el Lado derecho del Cerebro. Ella dio clases e investigó en la Universidad Estatal de California, Long Beach, hasta que se retiro a finales de los años 90. Allí fundó el Centro para las Aplicaciones Educativas de la Investigación de Hemisferio Cerebral).sugiere un método para impulsar nuestro cociente creativo. Digamos que se trata de copiar un dibujo, por lo general, explica, el hemisferio izquierdo domina la tarea reconociendo diversos rasgos faciales, como ojos nariz, entonces nos “ordena” que los reproduzcamos literalmente. Para cualquiera, menos para el artista nato, el resultado será del tipo que suele verse colgado de las paredes del jardín de infancia.
Pero… que sucede cuando “engañamos” al hemisferio izquierdo colocando el modelo del revés, en vez de una imagen identificable, se encuentra frente a un barullo de líneas y formas sin sentido: no es el tipo de información que un lado izquierdo lógico pueda manejar.¿Qué ocurrirá? Que se cierra dice Edgard, y entrega proyecto al cerebro derecho, más flexible. En vez de preocuparse por reproducir una nariz o un ojo, el lado derecho se limita a copiar las diversas líneas y curvas tal y como las ve. El resultado final, cuando se pone al derecho, es una copia increíblemente buena del dibujo dado.
Este es un tesoro, que me acompaña cada vez que realizo una copia.
Es obvio que no todos vamos a ser genios creativos, pero si podemos intentar ver más cosas con el hemisferio derecho y cambiar de lados cerebrales .Así en muchos casos conseguimos un estado de ensoñación en el que se ven escenas completas”Los ojos de la mente” en vez de detalles , números o vocablos específicos.

Podras ver varias veces el video, y retroceder cuantas veces quieras y el video NUNCA aparecerá dos veces igual, pero eso depende ti, si la ves girar a la mujer a la derecha es porque usas el lado derecho del cerebro, si la ves girar hacia la izquierda es porque usas el lado izquierdo del cerebro. Si ves girar hacia los dos lados es porque tu coeficiente intelectual es alto.

Ahora tu.

Dibujando

Una vez, una persona a quien no conocía, compro un dibujo mío. Le pregunte ¿Dónde vas a ponerla?, y el contestó: No lo sé; en algún lugar de la casa, para que al volver por la tarde de mal humor, me dará un momento de dicha. Un artista necesita eso; un entendimiento inmediato de parte del publico


Esta entrada va dedicada a dos procesos sutiles que intervienen en la influencia que ejerce una imagen, como la “composición y el carácter”.
Debemos dedicar tiempo a la composición, un tema muy complejo, un tema de vital importancia para los artistas del Renacimiento, quienes desarrollaron teorías matemáticas complicadas hasta lo indecible, entre las que destaca la “sección áurea”.Merece la pena dedicar atención a esto, y en especial si eres o tienes cierta inclinación a las matemáticas, pues como hemos dicho esta tuvo una importancia que rayaba lo religioso. Este tema aunque fascinante, no es esencial, pues nuestro mejor maestro es nuestro ojo sensible, es posible que hayas visto artistas usando visores, unos instrumentos antiguos recortados en forma de “L”, son muy eficaces a la hora de encuadrar una imagen.



También debemos tener en cuenta nuestro método de lectura escritura, nuestros cerebros están entrenados para procesar la imágenes en este orden (izquierda derecha). Los cineastas explotan mucho este factor, debemos de tenerlo en cuenta aunque nunca hayamos sido conscientes de ello.
Las personas educadas en otras culturas tendrán por lo tanto, reacciones distintas.
No quiero decir que es lo que hay que hacer, si no que se puede controlar el nivel, de introducirse al cuadro.
Otro factor a tener en cuenta más universal, es pues el relacionado con nuestra tendencia a ver objetos donde no los hay y a buscar su equilibrio.

Carácter.
Por lo general lo que impulsa a dibujar es un deseo de distinguir y comunicar las características de una persona que la hacen única, su carácter.

Me es imposible de finir los métodos para transmitirlo, pero diré que en algún momento del proceso saldrá, cuando menos lo esperabas, así como el parecido físico, pues ambos van relacionados.
Para hacer esta clase de dibujos, que transmitan carácter, la tendencia habitual, es buscar a alguien que tenga uno muy especial, pero los dibujos pueden comunicar algo más que carácter y físicos, pueden llegar a ser espejos sutiles, pero clarísimos, del estado anímico. No se necesitan modelos, no es necesario ser un personaje, sino eres tú, quien deberás, estructurarlo desde muy cerca para tratar de revelar su naturaleza esencial.
Así pues, no es necesario buscar modelos. Pero si, dirigirse a la persona, a un ser vivo. Tampoco es bueno mostrar demasiado énfasis en el carácter, pues así solo se llega a la caricatura. Deja que el carácter se revele por si solo, observa…y encontraras imágenes conmovedoras de personas.




Siempre he pensado que lo importante es lo que se aprende mientras se realiza un dibujo; si se tiene esto en cuenta, con el tiempo, terminarás por hacer buenos trabajos.

Escrito por LILITH