Los ojos de Picasso

El alma de Picasso era un cristal vibrante… hasta el infinito. En sus años de mocedad estaba muy sensibilizado hacia el infortunio de los seres humanos, se identificaba con los débiles, aterido de frió y mal nutrido como ellos, que es históricamente la situación ideal en que el genio percibe ese magnetismo que le impulsa a realizar la obra maestra.

Entre 1901 y 1904, en que desarrolla la Epoca Azul, vivió en Barcelona y París, mantenido más por la fuerza de su espíritu y por una voluntad inflexible, que por los menguados medios materiales que le llevarían a arrojar al fuego sus propias obras para calentarse.

En aquel estudio de la barcelonesa Ribera de San Juan, que compartía con Ángel Fernández de Soto, el Joven Picasso salía en busca de las almas dolientes, provisto de su cuaderno de dibujo, eligiendo como modelos a mendigos, alcohólicos, ciegos…

Y así en esta profundidad de sentimiento, los ciegos atraen su atención.

Rafael Alberti le escribe un agudo y precioso poema a los ojos de Picasso:

“Siempre es todo ojos

No te quita los ojos.

Se come las palabras con los ojos

Es el siete ojos

Es el cien mil ojos

El gran mirón

como un botón marrón,

y otro botón.

El ojo de la cerradura

Por el que se ve la pintura.

El que te abre bien los ojos

Cuando te muerde con los ojos.

El ojo de la aguja

Que solo ensarta cuando dibuja. El que te clava los ojos

En un abrir y cerrar de ojos.

Pero Picasso en plena exaltación óptica, con el alma a flor de piel, llega a pensar que ”se debería sacar los ojos a los pintores, como se hace con los canarios, para que canten mejor”

Esta idea no va a favor de la plástica, sino en una sublimación del sentimiento de amor.

Esto es advertido de un modo negativo, por parte de un colega, pero a Picasso parece no afectarle.

A Max Jacob le escribe desde Barcelona:”los artistas de aquí, piensan que en mis cuadros hay demasiada alma y poca forma: es muy gracioso”.

El ciego ha perseguido a Picasso como una sombra, y es verdad que el amor es ciego

...Y tenía corazón (Simonet)

"Anatomía del corazón" más conocida como "¡Y tenía corazón!" del pintor Enrique Simonet y Lombardo.

Este cuadro se ha reproducido profusamente en Alemania y en España, desde hace muchos años

De Simonet injustamente olvidado, existen pocos datos. Nacido en Valencia de padres Malagueños, inicia estudios de Bellas Artes en su cuidad natal y posteriormente en Málaga.

“La anatomía del corazón” es obra que Simonet envía en 1890 como pensionado en Roma, ciñéndose al tema del desnudo, que debía realizarse en aquel año. La critica moderna interpreta el realismo de Simonet, en este lienzo, como un virtuosismo gélido, desvinculado de la tradición del tema y hasta se citan nombres, entre ellos el de Freuerbach, como posible inspirador.

Descuidando al igual que Goya cuando pinta El Cristo crucificado, las consideraciones científicas, y su única intención es pintar un desnudo dentro de las normas académicas más rigurosas.

Podemos ver una piel fina, tersa y limpia en la enferma, sin acuse de traumatismo de la reciente operación, sin apenas manchas de sangre en los paños blanquísimos.

El profesor, lentes de pinza, barba blanca y levita, sostiene en la mano el corazón recién extraído y tiene su mirada fija en El.

Pero, no con actitud científica de cirujano, sino queriendo representar, tal vez, un patetismo.

Por todo instrumento quirúrgico aparecen , sobre la mesa, dos cuchillos como de cocina, una esponja y un lebrillo con agua.

El aspecto del profesor es más bien germánico, su levita no corresponde enteramente al momento representado, ya que si por aquel tiempo no estaba generalizado el uso de la bata blanca, la naturaleza de la intervención, muy dura para un anciano, no permite ser realizada con una levita puesta. Tengamos en cuenta que este tipo de intervención, se hace necesario un delantal al menos

Sex (el niño de las pinturas)

“Y ya que juegas, elige bien tu carta.
Y ya que eliges... piensa bien la elección,
pues has de saber que ya no se
cambia y es una vida lo que dura, y
lo que te juegas, tu corazón”.

En la cuidad de Granada existe un gran artista, de los mejores que he visto. Empieza a pintar sobre el año 1991 desde entonces su total necesidad de pintura en las manos lo ha llevado a cometer grandes atrocidades, comenta en su página web. Decora fachadas, su nombre dicho en bajito es Raúl Ruiz, pero le conocen por el niño de las pinturas, también bajo el sobrenombre de SEX. Un artista que empezando en la calle, ha logrado el reconocimiento en galerías y museos.

Sus Pinturas poseen un poder magnético y mágico, no pasan desapercibidas.
Siluetas hiperrealistas, pero algo oníricas… en una atmósfera de pasión y tristeza. Sus personajes parecen estar encerrados y nos animan a participar de ese estado de ánimo.
Otras veces nos miran, observan la calle …
Suelen ir acompañadas de frases más o menos ocultas, una forma de preguntar a la vida.
Su obra supera los 2.000 murales repartidos por países como Venezuela o Hungría.





Tiene el reconocimiento de los
que entienden de arte callejero,
dentro y fuera del Estado, y no para
de viajar para seguir con este “juego”,
para aprender y enseñar...

El papa Inocencio X

Papa Inocencio X (Diego Velázquez)


El papa Inocencio X era un magnánimo príncipe de la iglesia y un amante exigente de las artes, pero con poca influencia en la curia vaticana. Pese a todo, se le tenía por buen Papa; especialmente en España. Había tomado partido por los españoles en varias disputas reales y Diego de Velázquez (1599-1660), el pintor del rey Felipe IV, pinto su retrato en 1650, cerca de trescientos años más tarde, ese retrato se convirtió en la obsesión de un artista muy moderno, Francis Bacon. Su fascinación por el cuadro no empezó hasta 1949: "Creo que es uno de los mejores retratos que se han hecho nunca y estoy obsesionado con él. Compró un libro tras otro donde aparece la ilustración del Papa (Inocencio X), de Velázquez, porque me persigue y despierta en mi todo tipo de sensaciones..."

Bacon ejecutó más de veinticinco variaciones de la obra de Velázquez, entre ellas cabeza VI. Dijo que había tratado de trabajar la pintura para que se pareciera a "la piel de un hipopótamo", aunque en otros aspectos pintó el cuadro para que fuera "como Velázquez". Sin embargo, Bacon no había visto nunca el retrato original, que está en la Galería Doria Pamphili, de Roma. Bacon afirmaba que durante dos años o tres estaba tan extasiado por el retrato que intentó pintar una obra igual. Pensaba que, en parte, lo que imaginaba era el magnifico manejo del color. O quizá , el alto cargo de Inocencio X, que, contemplaba el mundo desde el trono de un soberano.

El Papa tenía el aspecto de un héroe trágico. Esto es lo que Bacon quería dibujar, pero a diferencia de Velázquez, desgarraba la fachada oficial para desvelar al hombre interior.

El Papa Inocencio X de Bacon no nos mira ex cathedra. Es una persona privada, un ser solitario cuyos sufrimientos, consecuencia de su soledad, le son arrancados de un grito...




Inocencio X, Estudio sobre el retrato de Velázquez (Francis Bacon)

curiosidades II

---James Scott, duque de Monmouth (1649-1685), hijo ilegítimo del rey Carlos II de Inglaterra (1630-1685), fue decapitado acusado de rebeldía, en una ejecución que necesitó hasta cinco golpes de hacha. Sin embargo, antes de ser enterrado, se tomó la decisión de realizar un retrato del duque que legase sus rasgos a la posteridad. Se volvió a coser la cabeza del duque a su cuerpo y pintaron el retrato, que en la actualidad se encuentra en el Nacional Gallery de Londres.


---El óleo de 1928 de la pintora estadounidense Georgia O’ Keefe titulado” Oriental Poppies” (“Amapolas Orientales”), que se exhibe en el museo de la universidad de Minnesota, en Estados Unidos, estuvo colgado verticalmente durante treinta años, cuando en realidad fue pintado en sentido horizontal.


--- En 1961, se expuso colgado boca abajo durante 47 días en el Museo de Arte Moderno de New York el cuadro “Le Bateau” (El Barco) del pintor francés Henri Matisse (1869-1954), antes de que alguien se diera cuenta del error. En ese tiempo, se calcula que el lienzo pudo tener aproximadamente unos 116.000 espectadores.


---El célebre cuadro la Gioconda fue adquirido en 1517 por el rey Francisco I de Francia (1494-1547) , en cuya corte pasó Leonardo da Vinci los tres últimos años de su vida. El monarca francés, que pagó la entonces respetable cifra de 492 onzas de oro, o utilizó para decorar su cuarto de baño.


---En 1939, el músico californiano Ernest Vicent Wright publicó la novela Gadsby (de unas 50.000 palabras) escrita con la curiosa premisa de no contener ni una sola letra “e”. Treinta años después, en 1969, apareció la novela francesa “La desaparición” que igualmente, tampoco contiene en todo el texto la letra “e”. Por su parte, Jacob Thurber escribió en una ocasión una historia ficticia de un país inexistente en el que no se permitía emplear la vocal “o”.


---Según cronistas de la época de total fiabilidad, hacia el año 1920 se hizo muy famoso en Madrid el arte de un “Bailaor” apodado “Mate Sin Pies” por la extraña e inverosímil circunstancia, en un bailarín, de tener amputadas las dos piernas a la altura de las rodillas.


---Según el registro civil, el verdadero nombre de Pablo Picasso (1881-1973) era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.


---Un marchante de obras de arte compró en cierta ocasión un retrato de boda, atribuido al pintor ruso Marc Chagall. Observando que faltaba la firma del artista, el marchante le visitó y le pidió que lo firmara. Después de observar durante un rato la obra. Chagall dijo: “Un bonito trabajo. Pero he pintado tanto que apenas me acuerdo de él y lo firmó. El verdadero autor de la obra había sido el famoso falsificador Lotear Malskat. Sin embargo, descubierto el engaño, el cuadro, por la curiosidad de esta anécdota, fue comprado por un coleccionista a un precio similar al que hubiera alcanzado si se hubiese tratado de un autentico “Chagall”

Curiosidades 1

---En el minueto “al rovescio “(es decir “al revés”) de la Sonata para piano en do de Franz- Joseph Haydn (1732-1809), el segundo movimiento es exactamente igual al primero, pero interpretado al revés, Con el recurso conocido como recurrencia. Igualmente, en una parte del Pierrot Lunaire, de Arnol Schoenberg (1874-195), la música avanza hacía adelante hasta la mitad de la pieza, y a partir de ahí se toca exactamente igual pero al revés. Paul Hindermith (1895-1963) escribió algo aún mejor: en su obra Ludus Tonale, el postludio es, con la adición de un acorde final, igual al preludio, pero la partitura está tocada hacia arriba, hacia abajo y al revés.


---Viendo el pintor Edouard Monet (1832-1883) que sus cuadros eran sistemáticamente rechazados por todos los salones y galerías de exposiciones, No tuvo reparos en sufragarse él mismo un pabellón particular donde exponer sus cuadros un la Feria Universal de París de 1867. En dicho salón, que fue denominado "Salón de los Rechazados", dio cobijo, además de a cincuenta de sus obras, a las de muchos de sus amigos que comenzaban a revolucionar la pintura moderna.


---La Obra del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) titulada Paisaje Imaginario nº4(1953), suena necesariamente distinta en cada interpretación. Es imposible que suene igual salvo que se trate de una grabación, pues esta obra está compuesta para doce receptores de radio sintonizados al azar.



---Claro que obras musicales especiales a habido muchas. Por ejemplo, en cierta ocasión el rey Luís XI de Francia (1423-1483) ideó un nuevo divertimento musical para su corte. La novedad consistió en reunir una piara de cerdos en concierto. La "notas" se conseguían pinchando a los animales con distinta intensidad para que emitiesen un diferente chillido.




---En 1601, el pintor italiano Michelangelo Merisi o Amerighi, llamado el Cravaggio (1573-1610) recibió el encargo de pintar un cuadro sobre la muerte de la Virgen. Para añadir realismo a la obra, el pintor recurrió a utilizar de modelo el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber. Al conocer este hecho, los clientes, escandalizados, rechazaron la obra.




---Se ha calculado que si un copista transcribiera toda la obra musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Empleara unos veinticinco años en completar su labor, trabajando diez horas al día. Mozart pasa por ser el compositor (entiéndase que de calidad contrastada) más precoz y más rápido que ha existido nunca: por ejemplo, compuso ópera “La clemencia de Tito en Sólo 18 días y en otra ocasión compuso, transcribió , ensayó y estrenó en sólo cinco días su sinfonía en C mayor “kengel 425, conocida como Linz.



---El pintor neoclásico francés Jacques Louis David (1748-1825), pintor de cámara de Napoleón, solía pintar figuras de la mitología y la historia de las antiguas Grecia Y Roma caracterizadas por su fuerte musculatura, siempre desnudas y tocadas con unos cascos muy anacrónicos que a casi todos los que los observaban recordaban a los utilizados por los bomberos. De tan chocante referencia se dio justamente en llamar a estos personajes romanos pintados por David "pompiers", es decir, “bomberos”. Desde entonces, por extensión, se suele llamar así al estilo, al pintor o a la obra que no están inspirados en la realidad o en la observación, sino que se basan en tópicos y convencionalismos de dudosa veracidad historica.


---El pintor holandés Vicent van Gohg (1853-1890), en las fases agudas de su locura, sólo podía conciliar el sueño si rociaba el colchón y la almohada con alcanfor. Más y mejor conocido es que van Gogh intentó matar, en un acceso de locura, a su amigo y colega Paul Gauguin. Arrepentido de su acción, se autolesionó, cortándose parcialmente una oreja. Aunque sus crisis de demencia se debieron al parecer, a un problema de tipo genético, también contribuyó a ellas su escaso éxito artístico. Según todas las pruebas aportadas por biógrafos, de los 879 cuadros que se ha calculado que pintó en total, van Gogh sólo vendió un cuadro en vida: el titulado : “La viña roja”


---Se cuenta que el extravagante y romántico violinista italiano Niccoló paganini (1782-1840) estaba tan obsesionado con su calidad artística tan pagado de sí mismo que en ocasiones tocaba con cuerdas de violín gastadas, con la esperanza de que se rompieran en mitad de una interpretación y así el pudiese demostrar su virtuosismo en tal situación extrema. Además de sus dotes naturales (que eran de tal calibre que se corrió la voz de que eran fruto de un pacto con el diablo), su excepcional calidad técnica era fruto de un constante ejercicio que llegó a deformar tanto sus manos que, extendidas, median cada una 45 cm.

Un mundo excéntrico (El dadaísmo)

Durante la primera guerra mundial, cierto número de escritores, pintores y músicos dieron vida a un movimiento cultural cuyo objetivo era la destrucción de los valores de la clase media que, según ellos, habían conducido a Europa a la contienda.
El movimiento se denominó “dadaísmo” y sus seguidores llevaban una vida deliberadamente excéntrica. Trataron de desacreditar todos los valores burgueses mediante una campaña de insultos librada contra todo aquel no dispuesto a adoptar sus principios. Los instrumentos de esta revolución fueron esculturas, cuadros y poesías que escandalizaron y ofendieron al público.
El movimiento se inició en Zurich en 1916, con la fundación del Cabaret Voltaire en un bar popular. Allí se celebraban incoherentes recitales, subrayados por campanadas, tamborileos y gritos.
El dadaímo evolucionó a través de la confusión y de las contradicciones de las creencias establecidas. Incluso su nombre es un misterio. El francés Hans Arp declaró : !Afirmo que Tristan Tzara fundó la palabra el 9 de febrero de 1916 a las 6 de la tarde. Estaba presente con mis doce hijos cuando Tzara pronunció esa palabra que nos llenó de justificado entusiasmo. Estoy convencido de que esa palabra no tiene importancia, y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por las fechas”.
“Imbéciles” fue uno de los términos más amables empleados por la respetable prensa suiza al describir al poeta Tzara, de origen ruso y a su compañero “artista” el alemán Hugo Ball
Pavoneándose en escena vestido con un cilindro azul de cartón y un cuello rojo, Ball fue la primera persona que utilizó las cegadoras luces rojas habituales en las discotecas de hoy. Pero con la misma rapidez que había aparecido se retiró a una vida casi monástica.

Mientras tanto, el dadaísmo invadió el mundo. En Nueva York dirigió el movimiento Fabian Lloyd, que por razones mejor conocidas por él adoptó el nombre Arthur Craven. Anteriormente, en París Lloyd había sobresaltado a las patrocinadoras de una exposición de arte despojándose de su ropa. No se sabe lo que le ocurrió. Zarpó a México en una pequeña embarcación con el propósito de llegar a Buenos Aires y nuca más se pupo.
El pintor Marcel Duchamp sucedió a Lloyd como cabeza de movimiento. El objetivo de Duchamp era subvertir los convencionalismos artísticos mediante una deliberada campaña “antiarte” en la que figura una versión de Mona Lisa con bigote.
Otra de sus obras consistía en una rueda de bicicleta atada a una silla y una pala quitanieves, titulada “Antes del brazo roto”. La obra maestra de Duchamp le exigió ocho años. Consistía en una composición abstracta formada por pintura, alambre, barniz y polvo de New York retenido entre dos láminas de cristal. Al ser transportado a una exposición en Brooklyn, en 1923, se rompió el cristal, pero Duchamp, imperturbable, anunció la obra con el titulo” El último refinamiento” y la colgó en la exposición. Todo lo hacía con la premeditada intención de rechazar el arte. Irónicamente hoy sus obras se cotizan a precios fabulosos.
Finalmente los dadaístas comprendieron que habían cumplido su misión y dejaron que las generaciones venideras emitiesen su dictamen.