Acuarelas

Lamentablemente a lo largo de los años, las acuarelas se han rodeado de un halo de misticismo que han llevado a muchas personas, a creer que no era un medio para ellos. Y por lo tanto un medio solamente para artistas experimentados,es cierto que es un medio difícil y absorbente.

Las pinturas, pigmentos ligados con goma, una sustancia natural, soluble en agua. La goma arábiga, es el medio aglutinante, más común para las acuarelas, producida por varias especies de acacias del norte de África y norte del continente americano. El tragacanto procede de un arbusto espinoso y oriundo de Grecia y Turquía. El fabricante combina los pigmentos con diversos componentes, como goma y glicerina, para producir pinturas se mezclan con agua, y al diluirse producen una capa homogénea de color. Los pigmentos proceden de numerosas fuentes, algunas naturales y otras artificiales.
Las cajas, cumplen diversas funciones. No sólo contienen pinturas y, posiblemente, también un pincel sino que, también, protegen las pinturas evitando que se sequen, además la tapa sirve como paleta para preparar colores.
Las paletas, por lo general blancas, para poder ver mejor el color, algunas con recipientes profundos ideales para preparar grandes lavados.
Yo personalmente uso un azulejo blanco,pero se puede utilizar cualquier cosa, recipientes de yogourt,etc. Muchos artistas profesionales cuentan con un surtido de recipientes de lo más ecléctico.
Los pinceles, cada pincel es capaz de crear toda una gama de marcas, según la manera en que se sujete, a velocidad con la cual se mueve, el tipo de gesto, la cantidad de pintura que contenga y el tipo de papel.
Para el artista el pincel es el medio de expresión un instrumento sutil que hay que explotar, de la misma forma que el flautista saca provecho de su flauta. Trabaja en conjunción con la pintura, el agua y el papel, y ha de estar dispuesto a que todos estos elementos trabajen para nosotros. Así ,se puede dejar el pincel sobre el papel unos momentos para que el color se corra, en lugar de deslizarlo.
Cada manera de asirlo, nos proporciona un trazo diferente, un movimiento de muñeca, del codo, o en trabajos enormes del hombro.
En las acuarelas esta prohibido utilizar el blanco, así que se convierte en un elemento a tomar en cuenta. Tal vez ,se hagan trampas y se utilice, para corregir algún error.
Para proteger ese blanco, existen varias formas. El enmascarador, este producto se aplica sobre la pintura con un pincel o una pluma, al secarse forma una película delgada que protege la pintura mientras trabajamos , permitiéndonos trabajar con total libertad,.Para desprenderlo , solo debemos frotar con los dedos. También podemos usar cera, pero eso dependerá de los resultados que queramos. O lo que queramos expresar.







La textura ,se puede introducir, para aumentar el interés, incluso para demostrar su destreza. Dejando de lado lo demás, la textura es algo divertido, igual que el ruido y así como el ruido organizado se transforma en música, las texturas se pueden volver parte de las características , abstractas de la imagen. Experimenta, haz tuyas las técnicas y descubre otras por ti mismo.
Un vocabulario extenso aumenta los medios de que dispone para expresarse, le permite comunicar ideas complejas y le capacita para exponer ideas con mayor rapidez.

Dibujando

Ya he hablado antes de el carácter y debemos de tener en cuenta, que las personas de aspecto o comportamiento excéntrico pueden parecer muy interesantes como motivos potenciales, y, con toda probabilidad, demostraran serlo.
Pero ya decía, que los dibujos comunican claros estados anímicos (feliz, concentrado, triste o distraído)


En este dibujo, la mirada larga y sin un punto fijo ,de alguien que está absorto en la contemplación.
La delicadeza de estos dibujos radica en la fluidez del lenguaje gráfico, y en una familiaridad cómoda con los medios escogidos.

El contacto visual directo con el modelo siempre resulta un reto para el observador y también para el artista y el modelo durante el proceso.
Una bonita experiencia, que da como resultado unos dibujos cargados de emociones

Acuarelas

Las acuarelas poseen una transparencia fresca y reluciente, que yo considero irresistible. Pero, para moverse en este medio que considero FASCINANTE, es necesario comprenderlo, por lo tanto no se pueden tratar las acuarelas como si fuesen óleos o colores para carteles, de esta forma el papel se nos arruga formando charcos.
Quiero hacer una advertencia, uno de los atractivos y los inconvenientes de la acuarela es el hecho de que sea imprevisible, y así el inconveniente, se convierte en sorpresa y algunos efectos serán de lo más reveladores.


A menudo la gran protesta es: “No se que pintar…” Pues he aquí mi respuesta, se pinta lo que se ve. Nos invade el recuerdo de esas clases insulsas, en las que trabajamos con cacharros rotos. Pero, si miramos a nuestro alrededor, existen una innumerable cantidad de objetos que pintar. Cuando uno se dedica a la pintura, empieza a ver el mundo de otra forma “con ojos de artista” Así que no saber que pintar, es una mala excusa.
En principio, el cuadro se tiene que armar, y producir algo genuinamente tuyo.
Se tiende a creer, que el proceso creativo comienza cuando el artista lleva el pincel hacia el soporte, cuando verdaderamente las decisiones importantes han sido tomadas ya.
La acuarela es un medio flexible y satisfactorio.
Las personas extrovertidas, pueden trabajar con entusiasmo, disfrutando los riesgos. En cambio los meticulosos, mejor que utilicen una técnica más controlada.
Los materiales son verdaderas delicias, pequeños, exquisitos, y muy deseables. Nos parecen joyas preciosas, en sus envolturas brillantes.
Los pinceles, elegantes, confeccionados con materiales, como el pelo de marta, etc., mangos lacados, Las cajas ingeniosas obras maestras, y que contienen de casi todo (frascos para el agua, paletas y depósitos),


La textura, se introduce en la pintura por muy diversos motivos, pero la más importantes es que hace de funciones decorativas. Muchas veces, para el artista, el tema es una cuestión secundaria, frente a la satisfacción que producen la pintura, el papel y la superficie sobre la que se trabaja, esto se va desarrollando, y creando su propio estilo. Un accidente afortunado es una parte importante de toda buena acuarela, de esta forma debemos estar alerta y saber tomar decisiones rápidas. “UNA BUENA PINTURA ES EL RESULTADO DEL EQUILIBRIO ENTRE CONTROL Y LO INESPERADO”.

Innumerables texturas, las posibilidades son infinitas, algunas actúan por si mismas, otras como los cepillos, esponjas, ceras ,carboncillo,sal…

Efecto con sal. Si aplicamos sal sobre la acuarela húmeda, ésta absorberá el agua, quedando un aspecto jaspeado, cuando la retiremos una vez totalmente seca la pintura.

Los genios y sus retratos

Paul Delaroche(1797-1856) Artistas de todos los tiempos,detalle,1836-1841 Hemiciclo de l'Ecole des beaux-Arts, París.



El autorretrato no es un simple subgénero dentro del retrato, pues implica una relación radicalmente diferente con el sujeto-objeto de la representación, proporcionando una información de su carácter, en un momento de su vida. La indumentaria, la expresión es la escogida por el artista, y lo que pinta idealizado o no, es lo que el ve, o como quiere ser visto. Y no solo su imagen es la que se refleja, también sus conocimientos técnicos el movimiento de sus manos, en cada trazo de lápiz, su experiencia.
El autorretrato es un acto esquizofrénico, en un desdoblamiento del pintor que se mira como un "otro" en un espejo.
A través del autorretrato, el artista se enfrenta a su imagen, se enfrenta a una mirada que es la suya y dentro de la cual se abre un mundo no conocido ni por el mismo y así, en los autorretratos los pintores se nos aparecen como fantasmas bidimensionales, en un tiempo que ya no es el suyo, pero que pueden seguir ejerciendo su influencia y gozar de la pintura y las lecciones que de ella se extraen.

Francisco de Goya (1746-1828) Goya asistido por el doctor Arrieta,1820,Institute of Arts, Minneapolis.

La singularidad de Goya se expresa en el que posiblemente sea el más extraño autorretrato de la historia. En 1820 en agradecimiento al Doctor Arrieta, el cual le cura de su enfermedad, se trata de un doble retrato , en el cual se pinta con el doctor como si se estuvieran mirando a un espejo , frente a su lecho (recordando así su gratitud) nos encontramos la idea romántica de que en la enfermedad, en la invalidez física y su excitación, se encuentra la creación, expresando así la hipótesis de que la creación se encuentra en las profundidades de la psique, en esos espacios misteriosos, en el alma del artista, allí se encuentra con el mundo primitivo y de su infancia, y así convaleciente disfruta como un niño en su más alto grado.

Arnold Böcklin(1827-1901)Staaltiche Museen, Berlín.

Arnol Böcklin le vemos representándose como pintor con pincel en mano y paleta en otra y un esqueleto toca una melodía que vaticina su final, dejándose llevar por esa morbosa sensación.

Escrito por LILITH

http://www.theartwolf.com/self-portraits/leonardo-autorretrato.htm

Los genios I

...Y ciertamente el cielo a veces nos manda
algunos que no representan la humanidad, sino la divinidad misma.(Vasari)

Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867)
El Apoteosis de homero,1827.Musée du Luovre, París.

En términos latinos genius es asociado a la fuerza presente en la naturaleza "Gignere" engendrar, de aquí que el adjetivo "genial" se aplica a todo lo que fuese fecundo, y a considerar genial a aquellas personas capaces de generar o engendrar bellas ideas, bellas formas.
Pero, su precedente lo tenemos en Daimon socrático, es el espíritu dado al hombre en su nacimiento, con un carácter inexplicable y enigmático, una especie de mediador entre Dios y el hombre, por esto su paranormalidad.
"Nullum magnum ingenium sine mixtura dementiae"
Desde la antigüedad clásica se había establecido una estrecha vinculación entre creatividad y enajenación, entre inspiración y locura, como conceptos que se unían en el arista. Así se asocia esa "locura creativa" a la intensidad de la posesión divina y a ese entusiasmo provocado por las musas que daba lugar al éxtasis.

Y en esto nos sitúa al artista en una posición de trágico equilibrio entre ambos polos, y el artista hace de esto algo positivo y potencia así su creatividad, invirtiendo la lógica del dolor.
Uno de los ejemplos de desesperación es Vicent Van Gogh, el cual admite su locura como algo unido a la creatividad.
Un acto supremo de sublimación, pintarse a si mismo, porque la creación aleja la demencia y así, se autorepesenta tras la crisis que le llevo a automutilarse. Y como Jean-Baptiste Carpeaux, dominado por la paranoia y tal vez enfermo de cáncer y en un intento de transferir al lienzo sus infelicidad.
Se estima, que la grandeza de la obra de Dante no habría sido posible sin su dolor, que su divina comedia no se hubiera concebido sin el padecimiento en su vida.
"Por más que hagamos, sólo el sufrimiento parece hacernos alcanzar la perfección y de cuantas obras conocemos, no hay ninguna elaborada como la de Dante. Parece fundida en horno más encendido de su alma..."Thomas Carlyle, op. cit., Pág.199





Gustave Coubert (1819-1877) El desesperado, Colección particular.

El rechazo produce mucho dolor. Y nos encontramos con un artista que vive en constante contradicción, por un lado las ansias por desarrollar su arte y su genialidad libremente y por otro la estimación de su obra "Pues el cuadro no ha de ser inventado sino sentido".
El genio es inconformista, frente a los que viven atados a convenciones o ligados al parecer de otros, tiene una necesidad de ampliar su mundo.

Gustave Moreaux (1826-1898)Joven tracia encuentra la cabeza de Orfeo y su lira,1865,Musée d'Orsay,París.


Jonathan Swift: "Cuando en el mundo aparece un verdadero genio puede reconocérsele por este signo: todos los necios se conjurarán contra el".
Oscar Wilde: ""Como no fue genial no tuvo enemigos"
Desde XIX, cuando alguien sobresale de la media primero se le intenta callar, dando el calificativo de mediocre, pero si sobrevive a estos golpes de la incomprensión, cosa que suele ocurrir cuando ya ha muerto, se le rinde pleitesía. Y así el artista penetra en el secreto del universo, como dice Goethe.




Escrito por LILITH

Los ojos del artista

"Pero como el alma no tiene ninguna forma que puede ser relativa a ninguna forma material, no se la puede juzgar por la figura del cuerpo, o por la forma del rostro. Un cuerpo mal hecho puede encerrar una hermosa alma, y no se debe juzgar la buena o la mala naturaleza de una persona por los rasgos de su cara, pues esos rasgos no tienen ninguna relación con la naturaleza del alma, no tienen ninguna analogía sobre la que se puedan fundar siquiera conjeturas razonables"
Buffon,Oeuvres completètes, ed.Dumézil,t.IV,París,1836,pp.94-95




Una forma de invitar al espectador a ver la cosa representada, sin ser consciente del medio de representación, es la fotografía.
Su rápido desarrollo modificaron los hábitos artísticos y visuales, la imagen producida por la cámara negra, pronto estuvo cargada de valores, a un mismo tiempo buenos y malos.
La comunidad artística en un primer momento negó el valor artístico de estas imágenes, por su inhumanidad, pero le confirió un valor de verdad muy positivo.
Los pintores utilizan a menudo fotografías, para facilitar su trabajo y evitar las tediosas sesiones de poses con modelos al natural, aunque a menudo considerada una práctica vergonzante y oculta.
Para mi es importantísima la complicidad del pintor y su modelo, Mademioselle Rose (Delacroix) Cuadro de una delicadeza extraordinaria, se puede observar esa complicidad tan intima.

A lo largo de la historia el modelo desempeñará un papel importantísimo y una figura recurrente en la literatura. Pero el posar se convierte en una verdadera profesión .Los modelos más buscados no solo lo eran por su físico, sino por su experiencia y conocimiento de la profesión y considerados auténticos colaboradores del artista.
Pero esto no nos sorprende, pues no solo es importante contemplar las formas, sino de la excitación que causa la proximidad de lo real.
Cuentan de Géricault cuando trabajaba en su Húsar a caballo, cada día le traían un caballo al estudio, el cual no le servia para nada, pero así tenia un caballo siempre en su cabeza.

Hoy día somos conscientes de que una fotografía no es un registro, añadiéndole, que el fotógrafo debe tomar decisiones, visualizar (motivo, encuadre, óptica, además del revelado) Pero, la pintura se vio afectada y teniendo que adoptar así, una nueva técnica y prestando especial atención al detalle.
El realismo óptico solo capta las apariencias de las cosas por su oposición a su realidad, pero los artistas vanguardistas y su realismo antifotografico, actúan por medios plásticos e inducen a estados interiores

Dibujando

Carboncillo: Obtenido desde hace siglos quemando madera de forma controlada, uno de los materiales más antiguos de la historia. Cuanto más largo es el proceso de de carbonizado más blando es el carboncillo, extraído principalmente de la viña, que produce la mejor calidad, pero el sauce es el más común
Este produce grandes trazos negros.








Tiza: Carbonato de calcio, muy utilizado con el carboncillo; la case más común, es la de pizarra .Yo la prefiero al conté o el pastel. Pienso que es una buena forma de dar toques de luz al dibujo e incluso se puede mezclar con el carboncillo para dar tonos medios

Dibujando

Todo en este mundo puede ser motivo de dibujo, lo más importante en esta disciplina es disfrutar, sin importar mucho el resultado, todo llegará.
Se debe tener en cuenta que el mejor artista es aquel, que comprendiendo los principios y aceptándolos, los rompe o mejor dicho los interpreta.
He dicho en otra entrada lo importante que es la composición, en esta nada debe ser discordante y se debe evitar la simetría absoluta. Pero, si miramos los maestros antiguos nos damos cuenta, que tales reglas sirven también para romperse.
Cuando empezamos un dibujo, ¿Quién no tiene miedo a estropear el lienzo, con ideas grandiosas, que surgen de nuestras mentes? Esto no debe ocurrir así, parece que llamamos al fracaso.
No hay dos artistas que enfoquen un dibujo igual. Así, que como ya he dicho todo es adaptable.
La verdad es que todo lo que se necesita para hacer un dibujo, es una hoja de papel y algo para dibujar. Cuando entramos en una tienda de Bellas Artes, parece que entramos en la cueva de la maravillas, todo son cosas tentadoras, pero no todas son necesarias, ni convenientes.
Me gustaría dedicar las siguientes entradas, a diferentes técnicas de dibujo y algunos pequeños tesoros que me han acompañado siempre. No hay ninguna magia en el saber dibujar, “A dibujar se aprende dibujando”.
Yo soy una gran aficionada a los rotuladores o marcadores, los cuales cada día están llegando al mercado, con nuevas formas y mejoradas.
Se dice, que los artistas del marcador son especialistas que aprenden una amplia gama de técnicas que se ajustan al producto.

Debemos experimentar todo lo que llega a nuestras manos, y sabemos que los marcadores también pueden sustraerse de su embases comerciales, para colorear grandes extensiones y producir originales dibujos coloristas.Pero existen limitaciones con esta técnica, es decir, no podemos reproducir imágenes tradicionales con colores planos.
Debemos abrir nuestras mentes y comprobar que algunos productos que nos son tan familiares y muy útiles a la hora de escribir, pueden producir dibujos sorprendentes. Un artista no depende de utensilios convencionales (lápices, plumas, etc.)

La gasolina:
Si, esa que normalmente utilizamos para mecheros es muy versátil, y casi esencial para el artista de marcadores, puede alargar la vida de estos; También crea una amplia gama de texturas.

Si rocías primero con gasolina el área que vas a iluminar, el color del marcador permanece húmedo, pudiendo realizar los trazos sin que el marcador se seque, y así se mezclan y funden los trazos, obteniendo un resultado muy uniforme.
A esto se le debe añadir la elección del papel, pero esto ya es otra historia.

Escrito por LILITH

El pensamiento “imaginactivo” (Betty Edwars)

Los psicólogos concuerdan en que casi todos tenemos aptitudes creativas que van más allá de las que utilizamos en la vida diaria. El problema está en aprovechar esa parte del cerebro en que se encuentran localizadas la mayoría de esas habilidades. En vez de que permitamos a nuestra mente brillar con creatividad, nos limitamos a procesar datos en forma lógica, igual que los ordenadores.
Se sabe que el aparentemente silencioso hemisferio derecho “Cerebro Artístico y emocional” puede procesar sus resultados mediante sueños, símbolos, actitudes y repentinas intuiciones.




En su cuaderno de dibujo Betty Edwards (profesora de arte conocida por su libro de 1979, Dibujar usando el Lado derecho del Cerebro. Ella dio clases e investigó en la Universidad Estatal de California, Long Beach, hasta que se retiro a finales de los años 90. Allí fundó el Centro para las Aplicaciones Educativas de la Investigación de Hemisferio Cerebral).sugiere un método para impulsar nuestro cociente creativo. Digamos que se trata de copiar un dibujo, por lo general, explica, el hemisferio izquierdo domina la tarea reconociendo diversos rasgos faciales, como ojos nariz, entonces nos “ordena” que los reproduzcamos literalmente. Para cualquiera, menos para el artista nato, el resultado será del tipo que suele verse colgado de las paredes del jardín de infancia.
Pero… que sucede cuando “engañamos” al hemisferio izquierdo colocando el modelo del revés, en vez de una imagen identificable, se encuentra frente a un barullo de líneas y formas sin sentido: no es el tipo de información que un lado izquierdo lógico pueda manejar.¿Qué ocurrirá? Que se cierra dice Edgard, y entrega proyecto al cerebro derecho, más flexible. En vez de preocuparse por reproducir una nariz o un ojo, el lado derecho se limita a copiar las diversas líneas y curvas tal y como las ve. El resultado final, cuando se pone al derecho, es una copia increíblemente buena del dibujo dado.
Este es un tesoro, que me acompaña cada vez que realizo una copia.
Es obvio que no todos vamos a ser genios creativos, pero si podemos intentar ver más cosas con el hemisferio derecho y cambiar de lados cerebrales .Así en muchos casos conseguimos un estado de ensoñación en el que se ven escenas completas”Los ojos de la mente” en vez de detalles , números o vocablos específicos.

Podras ver varias veces el video, y retroceder cuantas veces quieras y el video NUNCA aparecerá dos veces igual, pero eso depende ti, si la ves girar a la mujer a la derecha es porque usas el lado derecho del cerebro, si la ves girar hacia la izquierda es porque usas el lado izquierdo del cerebro. Si ves girar hacia los dos lados es porque tu coeficiente intelectual es alto.

Ahora tu.

Dibujando

Una vez, una persona a quien no conocía, compro un dibujo mío. Le pregunte ¿Dónde vas a ponerla?, y el contestó: No lo sé; en algún lugar de la casa, para que al volver por la tarde de mal humor, me dará un momento de dicha. Un artista necesita eso; un entendimiento inmediato de parte del publico


Esta entrada va dedicada a dos procesos sutiles que intervienen en la influencia que ejerce una imagen, como la “composición y el carácter”.
Debemos dedicar tiempo a la composición, un tema muy complejo, un tema de vital importancia para los artistas del Renacimiento, quienes desarrollaron teorías matemáticas complicadas hasta lo indecible, entre las que destaca la “sección áurea”.Merece la pena dedicar atención a esto, y en especial si eres o tienes cierta inclinación a las matemáticas, pues como hemos dicho esta tuvo una importancia que rayaba lo religioso. Este tema aunque fascinante, no es esencial, pues nuestro mejor maestro es nuestro ojo sensible, es posible que hayas visto artistas usando visores, unos instrumentos antiguos recortados en forma de “L”, son muy eficaces a la hora de encuadrar una imagen.



También debemos tener en cuenta nuestro método de lectura escritura, nuestros cerebros están entrenados para procesar la imágenes en este orden (izquierda derecha). Los cineastas explotan mucho este factor, debemos de tenerlo en cuenta aunque nunca hayamos sido conscientes de ello.
Las personas educadas en otras culturas tendrán por lo tanto, reacciones distintas.
No quiero decir que es lo que hay que hacer, si no que se puede controlar el nivel, de introducirse al cuadro.
Otro factor a tener en cuenta más universal, es pues el relacionado con nuestra tendencia a ver objetos donde no los hay y a buscar su equilibrio.

Carácter.
Por lo general lo que impulsa a dibujar es un deseo de distinguir y comunicar las características de una persona que la hacen única, su carácter.

Me es imposible de finir los métodos para transmitirlo, pero diré que en algún momento del proceso saldrá, cuando menos lo esperabas, así como el parecido físico, pues ambos van relacionados.
Para hacer esta clase de dibujos, que transmitan carácter, la tendencia habitual, es buscar a alguien que tenga uno muy especial, pero los dibujos pueden comunicar algo más que carácter y físicos, pueden llegar a ser espejos sutiles, pero clarísimos, del estado anímico. No se necesitan modelos, no es necesario ser un personaje, sino eres tú, quien deberás, estructurarlo desde muy cerca para tratar de revelar su naturaleza esencial.
Así pues, no es necesario buscar modelos. Pero si, dirigirse a la persona, a un ser vivo. Tampoco es bueno mostrar demasiado énfasis en el carácter, pues así solo se llega a la caricatura. Deja que el carácter se revele por si solo, observa…y encontraras imágenes conmovedoras de personas.




Siempre he pensado que lo importante es lo que se aprende mientras se realiza un dibujo; si se tiene esto en cuenta, con el tiempo, terminarás por hacer buenos trabajos.

Escrito por LILITH

ALISON LAPPER

Su niñez no fue fácil ( Nació sin ninguna de sus extremidades superiores y con las piernas más cortas de lo normal) tenía cuatro meses cuando su madre aceptó verla por primera y última vez. A su padre no le conoce. Eran obreros de una fábrica automovilística en el condado de Yokshire y se separaron cuando ella nació. También tiene una hermana, sin minusvalías, tres años más mayor a la que apenas conoce. "Detesté ser niña", afirma. Del hospital en que nació fue directa al Schailey Heritage Institute, en Sussex (Inglaterra). Allí pasó toda su infancia rodeada de otros niños que se parecían a ella físicamente.Cuando cumplió 12 años comprendió realmente que era minusválida. "Hasta entonces estuve demasiado ocupada siendo niña".

A los 19 años me fui sola a Londres, en coche, acababa de conseguir mi permiso de conducir.

Sólo tenía un amigo, Christian, un negro enorme al que le debo muchas cosas. Él me ayudó a encontrar un apartamento. Seguí unos cursos en el Art College durante un año y, después, en el Hammermith College en el oeste de Londres. Un curso, en el que, evidentemente, era la única minusválida". Tuvo que enfrentarse a las exclusiones, los golpes bajos y las miradas inquisitoriales que le lanzaban. . Me quedé cinco años en Londres antes de conseguir, en 1994, mi diploma en Bellas Artes en la universidad de Brighton".

Comenzó a pintar a los tres años. Pinta con la boca a golpe de pequeños movimientos secos de cabeza, explica. Su pintura ha obtenido el reconocimiento y ha sido premiada con la mayor condecoración de Inglaterra, el Member of the British Empire (MBE) por los servicios prestados al arte. Se la entregó la reina en persona. "No sé cuáles son exactamente esos servicios. Tampoco sé quién me propuso para este título. El voto es anónimo. Quiero creer que sólo se ha juzgado mi trabajo artístico y no mi deformidad".

El arte de lo imposible (Escher)

Los pintores holandeses han sido siempre un tanto raros. Frans Hals, por ejemplo, no podía contener las lágrimas cuando pintaba sus alegres bebedores. Y Vicent Van Gogh se cortó el lóbulo de la oreja.

Pues Escher fue el más asombroso de todos, como escolar una autentica nulidad para las matemáticas y sin embargo por medio de sus xilografías y litografías. Llegó a ser ídolo del mundo de la ciencia, al descubrir y demostrar las leyes ocultas de la lógica matemática de una forma nunca vista antes.
Mauritis Cornelis Escher, nace en 1898 en Leeuwarden (Frisia), hasta bien entrado en la cincuentena probó sin éxito todas las formas artísticas para ganarse la vida. Vendía algunos grabados, hacia portadas de revistas, sellos de correos, billetes de banco, papel pintado y hasta el mural de un cementerio, pero sus ingresos le hicieron ser dependiente económicamente de su padre.
Pero en 1950 la suerte le cambia y la mayoría de sus compradores son gente del mundo POP y HIPPIE, pues lo consideraban un artista psicodélico.
Europa tardaría un poco más en aceptar su arte.

“Mi propósito es conseguir que la gente se sorprenda se entusiasme; más que complacerles, quiero gastarles bromas"

“Mantuve correspondencia con un profesor que trató de explicar mis obras mediante complejas formulas.
No entendí nada”

Sin embargo sus obras muestran los principios básicos de la estereometría (geometría de los sólidos) con un empleo perfecto de la perspectiva.
Muere en Laren en 1972 a los 73 años, pero su arte sobrevive, y el publico cuando admira su arte, no permanece callado, se ríen, comentan son un desafío para la mente influyen y nos estimulan.

Pintura o fotografía

¿Crees que existe diferencia entre una escena captada en lienzo, y en película fotográfica?
Es cierto que cuando un artista capta con su pincel un paisaje lo plasma de forma diferente a como lo vemos las mayoría de personas. Pero ¿En que forma difiere el cuadro de la escena real tal y como es captada por la fotografía?
Esta claro, que el pintor no se limita a reflejar en el lienzo la apariencia de algo, sino lo que el considera su esencia misma. Mediante su genio interpretativo, nos proporciona una nueva forma de percibir nuestro mundo, mirando a través de sus ojos .

Dibujando

Nos sentimos atraídos por nosotros mismos, nos fascina nuestro cuerpo, la mente, este conjunto que da como resultado un ser humano, alguien que se relaciona se mueve, con capacidad de crear y compartir pensamientos con los demás.
El dibujo es algo muy complejo, pero podríamos decir que el dibujo es el proceso de trasladar al papel un motivo, intentando que el dibujo se parezca al original.
Con la aparición de la fotografía, el dibujo ha perdido su función descriptiva, pero el dibujo, es una práctica atemporal.
Pero lo que más llama la atención de el es su sencillez, y esto es lo que lo hace maravilloso. Tan solo una superficie y algo con lo que realizar los trazos.
Los retratos, a mi parecer, no son los más difíciles de hacer. Tal vez, los más fáciles de juzgar.
Concéntrese en el rostro de un ser querido, esa cara que reconocería entre cientos, ahora intente dibujarla de memoria. Nos damos cuenta, que esa precisa relación entre nariz y boca o tal vez, la posición de su mandíbula, todo eso es lo que se hace tan difícil a la hora de dibujar. Lo que Vd. Pensaba que era una imagen clara en su mente, ahora observa que cuanto más se concentra más difícil le resulta. Las diferencias más sutiles entre las personas, son las más difíciles de recordar.
Nosotros debemos dibujar lo que los ojos nos dicen y no lo que la memoria nos dicta, el dibujar es agotador pero a su vez una experiencia excitante.
Si bien tengo que decir, que el preocuparse demasiado por conseguir el parecido, o por hacer un dibujo que le guste a todo el mundo, puede obstaculizar el principio fundamental, que es el MIRAR.

Desde el principio de la humanidad, el hombre se ha dibujado, jamas se podrán admirar como de verdad se merecen los dibujos prehistóricos, conservados en museos y en algunas cuevas desde hace milenios, y que nos dejan ese testimonio a través del tiempo y que nos trasmiten hoy sea cual fuera su intención original, además de ser un placer para los sentidos.

No es mi intención hacer un estudio del arte a través del tiempo, pero si saber algo más sobre algunos de ellos.



Escrito por LILITH

Richard Wawro

Delgado de ojos muy azules, cabello castaño, Wawro, prácticamente ciego y retrasado mental Hasta los 15 años no pronunció una palabra inteligible.
Con solo siete meses le operaron de cataratas en ambos ojos. Después a intervalos de seis meses, le practicaron otras tres intervenciones oculares.
Era un niño muy inquieto. Dormía apenas tres horas al día y lloraba, gritaba y se movía sin cesar. A veces se encaramaba a un piano y durante horas golpeaba la misma tecla.”Era una tortura” dice su padre.
Cuando cumplió tres años los médicos dictaminaron que Richard padecía un retraso mental entre medio y grave. También síntomas de autismo.
El rostro de Richard revelaba sufrimiento, recuerda Molly(directora del centro para deficientes mentales próximo a Edimburgo) y se propuso ayudarles.
En este centro fue un niño difícil, sus chillidos sobresaltaba a los demás. Otras veces permanecía aislado y silencioso, cautivado por los rayos de sol o las cosas en movimiento.
Molly descubrió aquel algo cuando dio al niño un lápiz. En un principio lo tiró al suelo, indiferente. Molly volvió a ponérselo en la mano, le ayudó a sujetarlo y le hizo trazar unas líneas en un papel. Richard pareció comprender y, en seguida se puso ha hacer garabatos con distintos colores.
Un día fui a ver sus garabatos y me encontré algo maravilloso, dice Molly. Un cuadro impresionista de una escena que, al parecer, Richard había visto desde el autobús escolar. Podía se una casualidad, pero en otra hoja que de di, pintó otra escena perfectamente ejecutada, que mostraba la fascinación de Richard por la luz, el color y el movimiento.
Poco a poco fue dominando la composición y se expresaba a través de ella.
Con diecisieta años expuso sus obras. El dueño de una galería de arte de Edimburgo dedicó una sala a exponer veinte cuadros del joven. Al concluir la exposición se habían vendido ocho.
Las fuentes de inspiración de Richard son muy variadas. A veces dibuja lo que ve con sus débiles ojos o con los prismáticos, otras se trata de un pueblo, visto del de el automóvil; programas de televisión libros y revistas a los que se pega para verlos con detalle.
Cada obra refleja su percepción sus sentimientos, su imaginación, todos sus cuadros tienen una fuente de luz, desde la bruma de un amanecer al resplandor de una llama.

Cuando alguien expresa su admiración por alguno de sus cuadros, el rostro de Richard se ilumina con una gran sonrisa.


“Es bueno ser feliz” comenta.”Yo soy feliz cuando noto que mis pinturas hacen que la gente se sienta bien, puedo ver la felicidad”

Espejos del alma (Genio o loco)

En el medievo, en nombre de Dios y su fanatismo, se condenaba a los sicóticos, al igual que a los hombres ilustrados y criminales, por su incapacidad para conformarse con los falsos conceptos profesados oficialmente, a diversas clases de tortura.
Pero las edades posteriores no han cambiado mucho más e inflingen así nuevos castigos, ahora ingeniadas con mucho refinamiento.
Cada vez que alguien es diferente, por el motivo que sea, es sin más rechazado y relegado a un segundo plano, no es aceptado por la mayoría.Posiblemente el rechazo se encuentra con el temor. Los rechazos confirman prejuicios y temores que terminan justificando las barbaridades.



…Y yo hombre sufrido, no puedo prescindir
de una cosa. Que es más fuerte que yo, que
constituye mi vida real:.es decir, de la capacidad.
de crear.
Van Gogh, Cartas




En las emociones negativas, en la sed que tiende a dar vida a las formas, radica el motor de la actividad creadora.
La presencia de lo inalcanzado o de lo inalcanzable, en la fuerza de la imaginación nace la tensión emocional.
Tanto el escultor que da vida al barro, el escritor o el poeta sumergido en sus palabras. Todos ellos se sienten invadidos en un principio por la angustia y la impotencia ante una falta de formas de una idea primitiva, cautivados por la inquietud y permanecen a la espera de nuevas formas, antes de que surja el genio creador. Todo son un cúmulo de formas en proceso de maduración, sin poder ser dominadas, esta fase se caracteriza por una participación disminuida del consciente, por el predominio de impulsos, deseos, fantasías. En este momento aparecen manifestaciones similares a la actividad onírica o a estados de intoxicación.
Todo se desarrolla en silencio, se madura, para explotar, desde lo más íntimo del ser.
Así se desencadena la descarga de la tensión interna.

El individuo creador que se encuentra en tensión emocional busca el objeto deseado y termina por encontrarlo “el objeto real” pero este al mismo tiempo creado por el individuo, marcado por el tatuaje del miedo o el deseo.
La diferencia entre el proceso creador de un artista y los procesos creadores de algunos enfermos consiste generalmente en la media en que el individuo es capaz de dar forma, activa y conscientemente a la primitiva y sin sentido invasión de impulsos, y eliminando así la tensión emocional.
El enfermo está totalmente invadido absorbido por la angustia. El deseo el odio y el miedo. Permanece en la primera fase de la inspiración.
A pesar de todo ello, con frecuencia es difícil distinguir, desde el punto de vista psicológico, entre originalidad creadora de un artista y la de un enfermo. Los dos con una carga de hipersensibilidad, insatisfacción y la tensión emocional.
Existe, quien dice que el talento puede nacer en la psicosis. No se trata de una glorificación de la enfermedad, sino únicamente de la comprobación del hecho de que las fuentes enérgicas de la creación, se ponen en marcha en las fases agudas de sed psíquica, cuando el manantial no esta al alcance de la mano como una promesa lejana y salvadora de vida, Las fuerzas creadora no se movilizan en el hombre cuando a este no le falta nada, cuando está satisfecho de sí mismo.

Dibujando

En realidad no importa si uno sabe dibujar o no. Con sólo examinar detalladamente un objeto, y dándole vueltas entre los dedos, se abren las puertas de la creatividad. El siguiente paso consiste en reproducir lo que esta observando en una libreta, la arena o cualquier superficie. Así, se establece entre la mano y el ojo un contacto que refuerza una correlación entre la vista y la memoria. Dibujar es una experiencia relacionada con las realidades y las figuras del mundo visual, las cuales no se pueden captar de otro modo.
A menudo oigo decir:”AY! ¡Si yo supiera dibujar!” Por que esta actividad artística es un estado de ánimo; una manera de ver.¿Qué importa el resultado? Adquirir las habilidades necesarias para ello es cuestión de practica, paciencia…etc.
Yo animo a gozar de la sensación de deslizar el lápiz por el papel, sin imponerse metas que no vamos a alcanzar.
Cuando dibujo un rostro empiezo por los ojos, más vale extenderse poco a poco por el papel que limitarse por falta de espacio.
No se hasta que punto es una forma de comprender el mundo, de reconstruirlo partiendo de muchas observaciones.
Soy hipermétrope, yo creía que esto me hacia mirar más fijamente las cosas, pero creo que mi forma de trabajar, se debe a algo más profundo, como el propio criterio, la relación de el objeto con la vida.

Me gusta dibujar animales, pero con ellos se debe de tener la paciencia necesaria. Pasar una tarde dibujando en el zoológico constituye una vivencia grata, además de sorprendente para quien nunca ha hecho ese intento.





También me gusta sentarme a la orilla del mar, dibujar conchas y otros restos, que suele haber en las playas, las cuales ofrecen posibilidades ilimitadas. Ensaye desde diferentes puntos de vista y a diferentes escalas. Es bonito descubrir, como en el interior de cada concha, existe una coloración que revele el sitio donde estuvo adherida y nos cuenta como vivía.
Posiblemente el dibujar no sea un fin en si mismo, tal vez un proceso de aprendizaje; en el cual la lupa y el lápiz sustituye a los libros. Descubrir o hacer que los objetos o los seres nos hablen.
Me gusta tocar los objetos antes de dibujarlos así se establece una comunicación íntima entre la mente y el objeto.
Es importante conocer lo que hay debajo y detrás de las cosas.¿cómo puede uno saber adónde va, si no sabe adónde ha estado? Después de haber grabado el objeto en mi mente y haberlo conocido, saber lo que hay en su mirada y captar su esencia.
Cando coges una flor y gracias a esa flor conoces sus fríos amaneceres los abrasadores medios días, experimentar el sueño invernal, y así , queda para siempre grabado en mi memoria y en la hoja de papel.

Escrito por LILITH