La Gioconda

"Envuelta en el misterio de la media tinta, esta fascinante cabeza serena y orgullosa, emanaba una provocación apenas contenida y una tenue sonrisa deriva ocasionalmente hacia lo satánico; nos cautiva con su mirada intemporal y voluptuosa".
(Blanc)


"Leonardo es un espejo de luz que no se nombra
donde ángeles esbeltos, se sonrisa exquisita,
cargada de misterio, se ve bajo la sombra
de glaciales y pinos que el paisaje suscita"
(Baudelaire)


"Mona Lisa sigue seduciendo y hechizando después de más de trescientos años. Miles de hombres de todas las edades y diferentes idiomas se han apelotonado alrededor de este cuadro. Se han sentido inflamados por esos ojos límpidos y ardientes. Han oído palabras de engaño en esos labios traicioneros. Se han ido con ese dardo envenenado en el corazón y lo han difundido por los cuatro puntos cardinales. Mientras queden vestigios de esa belleza fabulosa y fatal, todos los que ansían descifrar los misterios del alma en los rasgos de un rostro correrán hacia ella, eternamente joven para pedirle la solución del enigma eterno. ¡Los enamorados, los poetas, los soñadores van a morir a sus pies! Nuestra desesperación y nuestra muerte no borrarán de esa boca burlona la encantadora sonrisa, la implacable sonrisa que promete el éxtasis y niega la felicidad"
Jules Michelet

" Lo que inquieta de esta imagen es el alma que transparenta, que se asoma para contemplar la nuestra y lee en nuestros ojos con noble serenidad mientras nosotros tratamos inútilmente de leer en los suyos."
George Sand.

La Mona Lisa: el retrato de una joven, en contraposto, No lleva joyas, sonríe…nos mira. No es una escena impactante, es solo una mujer que sonrie y nos mira.
Sus dimensiones 77x 53 cm. es pequeña. Ocupa el número779 del inventario del Louvre.

Mona Lisa necesitó a Leonardo. La gestación del mito de la Mona Lisa exigía la construcción de mito de Leonardo, y no al revés. Su verdadero secreto no esta en la pintura, sino en el pintor, en ella vemos el genio del pintor, el alma de un maestro. Sentimos que el genio, el maestro, está vivo que nos habla a nosotros, me habla a mí. Y en este dialogo no hay mediadores, ni tiempo me comunico directamente con el creador.

Mona lisa llega a nosotros desde la profundidades del pasado (Grecia, Roma...) no se puede poseer pero no porque pertenezca a otro hombre o sea de otra clase social, tampoco porque sea recatada y pura; ella pertenece a Dios y a la religión, por eso es tan peligrosa. En ella no hay coquetería, no tiene mascaras, ella es serena... Leonardo entiende que la mujer tiene dignidad y que su sexualidad es solo un componente.
Tal vez, me dice un amigo, sobrevalorado, pero es el cuadro más famoso del mundo, Rafael y Vasari lo tenían por una obra maestra, un cuadro tantas veces copiado y los artistas ya lo sabían.
El prestigio actual de la Gioconda obedece, quizás, a una serie de acontecimientos, Leonardo que lo pintó; Fancesco Del Giocondo que lo encargó; Francisco I que llevó a Leonardo a Francia. La transformación del palacio del Louvre en un museo abierto al público. Los intelectuales que difundieron su enigmática sonrisa, y la idea de que tenía poderes. Vincenzo Peruggia que la robó, Malraux y De Gaulle, que la utilizaron como representación de la cultura francesa, la prensa, por escribir sobre ella; cantantes, dibujantes, los que la deformaron y se burlaron de ella, los buscadores de enigmas, Todos los que vieron esos ojos…y hablaron de ellos.
Nadie sabe por que sonríe…yo tampoco.

http://www.minijuegos.com/Mona-Make-Over/944
Gracias!!! DISI jejejejejej

Tiziano

Al poco de morir Van Eyck, la Escuela Flamenca queda encabezada por, Petrus Christus, el cual recibe la visita de Antonello da Messina, el cual pasa un tiempo en Brujas, aprendiendo la técnica al óleo.
Cuando Messina regresa a Venecia, enseña a los venecianos las técnicas de los Van Eyck, entre los cuales se encuentra Giovanni Bellini, maestro muy importante en su generación, alumno suyo es Tiziano.
Tiziano aprende los secretos de los Van Ecky, los adapta a su manera personal, y crea así, una nueva forma de pintar al óleo, considerada la base de la pintura moderna.
En el año 1550 comenzaba el manierismo, un arte de temas rebuscados.
Pero centrándonos en Tiziano, tendríamos que distinguir entre antes de Tiziano y después de Tiziano. Antes se pintaba con colores vivos y con pinceles de punta aguzada, se daba importancia al detalle. Después los colores eran sucios formando un conjunto armónico, fue el primer artista pintor que descubre el valor de los colores “sordos, quebrados” Su frase a los alumnos era” ensucia tus colores” con la idea de eliminar estridencias. Tengamos en cuenta que en la vida real los colores no son puros. Fue el primero que vio y pinto el gris óptico.
Tiziano, pintaba con pinceles, pero también en las últimas fases del cuadro con los dedos, descuidaba el detalle en beneficio del tema en conjunto.

Pero como pintaba Tiziano??.
Ver empezar el cuadro debió ser todo en espectáculo, “el lecho de la pintura” le llamaba algo fascinante...Su discípulo Jacobo Palma nos lo explica de esta manera:
“Extendía sobre el lienzo una capa de un determinado color que le servía de base, para lo que quería expresar. Yo mismo he visto este fondo, intenso todo igual pintado con solo terra rosse. Después con el mismo pincel cargado primero con pintura roja, después con pintura negra y después amarilla, realzaba las partes oscuras, medias y claras y en cuatro pinceladas le salían unas figuras extraordinariamente bien hechas”.
Era una maravilla, como vemos Tiziano, pintaba a medio empaste, con pintura densa, con la visión y la espontaneidad del artista de hoy.
Tras todo esto Tiziano , colocaba el cuadro cara a la pared y lo dejaba allí semanas incluso meses.
Según nos cuenta Jacobo Palma, “hasta que un día lo tomaba , lo contemplaba críticamente, como si fuera un enemigo mortal, y trabajaba lo que no le gustaba con la agudeza de un cirujano”, resolvía el modelado con series de veladuras..”SVELTURE?? TRENTA, QUARANTA!!!
Estas veladuras claras sobre fondo oscuro, eran comparables a un dibujo hecho con tizas de yeso difuminada con los dedos, así el color oscuro de la pizarra es visible, por transparencia a través del color claro de la tiza”.
El cuadro era acabado con sesiones de pintura directa, a medio empaste y pleno empaste y con restregados de pincel (frottis)

Uso del blanco

Ya he hablado antes del blanco, en las acuarelas, muchos aficionados caen en la trampa , debido al mal uso del blanco y el negro, al ser mezclados con otros colores; al creer que cualquier color se puede aclarar con blanco y oscurecer con negro.
Tal vez , se nos olvida que pintando en acuarela, el blanco no existe; la acuarela es transparente; para pintar el cielo azul, lo podemos aclarar con agua, así se transparenta más el blanco del papel.
Pintando al óleo; el blanco es un color; el óleo es opaco. Para pintar un azul cielo hay que mezclar pintura azul con pintura blanca. La pintura blanca es un componente básico (50% junto con el negro) en la obtención del gris.
Añadir blanco a un color supone en principio y en teoría -y desgraciadamente en la práctica- virar ese color hacia el gris.
¿Conocéis el experimento del café?? Si tomamos dos vasos de agua iguales con la misma cantidad de café en ambos, y se añade en uno de ellos agua y en el otro leche, podremos ver que el agua aclara el color café variándolo a rojo, anaranjado, oro…
Reaccionando en forma parecida a la mezcla con agua de un color transparente como la acuarela; mientras que, en el otro vaso, la leche transforma el color del café en un siena sucio, ocre sucio.
Esto nos permite recordar y comprender una norma sumamente importante:
"No es solo con blanco que
Se obtiene un color más claro"

Juan Van Eyck "Juan de Brujas"

"Tendrás tu taller donde ninguna persona te moleste, y que tenga una sola vantana. Cerca de esta ventana colocarás tu pupitre como para escribir"
Cennino Cennini (1390)

En 1410, al norte de Bélgica, en la cuidad de Brujas. Un joven pintor de veinte años llamado Juan van Eyck, puso a secar al sol un cuadro pintado al temple y tratado con aceites, tal como recomendaba el monje Theophile. Y he aquí que a los dos días, cuando fue a ver el cuadro para comprobar la mancha del secado, comprobó con disgusto que la pintura se había cuarteado.
Según se cuenta desde aquel día van Eyck no descansó hasta hallar un aceite que se secara a la sombra. Tardó mucho tiempo, pero, por fin, después de probar con aceites y resinas de todas especies encontró que mezclando una pequeña parte de barniz blanco de Brujas con aceite de linaza obtenía una mezcla que le permitía secar sus pinturas a la sombra.
Van Eyck empezó a pintar con barniz blanco de Brujas y aceite de linaza, aglutinando con ellos las mismas tierras usadas en el temple.
Había nacido la pintura REY: la pintura al Óleo. Y van Eyck había descubierto el mejor medio para pintar.
Este hombre era sin duda alguien fuera de serie. Cuando tenía treinta años empezó un movimiento de rebeldía, contra los prejuicios y convencionalismos de la pintura gótica.

Cennino Cennini escribe un libro (El libro del arte) en el explica paso a paso todos los materiales y estilos que existieron en la pintura durante los siglos XIV y XV, de esta manera podemos reconstruir la manera de pintar De Juan van Eyck y los artistas de la Escuela Flamenca.
Dice Cennini: ”Elegirás un papel de tilo o de sauce sin defectos. Tomarás cola hecha de recortes de pergamino, y la pondrás a hervir hasta que de tres partes quede reducida a una parte. Probarás esta cola con la palma de la mano y cuando sientas que una palma se pega a la otra, piensa que entonces la cola es buena…”
“Sobre el tablero se aplicaban seis capas de cola y varias tiras de paño de lino viejo. El tablero se ponía a secar y se aplicaba luego una capa de yeso Volterra y cola. Nuevo secado y otras capas de Gesso sottile. Finalmente se pulía con polvo de carbón y piedra pomez, hasta lograr un acabado blanco, duro y liso como el marfil.”
Esto les llevaba varios días y ponían en párctica la siguiente técnica para pintar al óleo.
Iniciaban la construcción, primero dibujando a carboncillo.” Tomarás el carbón de sauce y dibujaras poco a poco y encima repasarás el dibujo con un pincel de punta aguda, mojado en esencia y en esta que Florencia se llama Verdaccio (Una mezcla de, blanco, negro y ocre)
Encima de este dibujo se aplicaba una fina capa del mismo color Verdaccio, se trabajaban cuidadosamente las sombras, luces y reflejos hasta llegar a la perfecta aguada monocromada.




Jan Van Eyck "Retrato de Giovanno Arnolfini y su esposa" Galeria Nacional de LOndres.
Un cuadro que hoy en día calificariamos de hiperrealista, pero no nos olvidemos que esta minuciosudad se conseguia con los medios antes mencionados, y varias capas de color o veladuras.

Sección dorada

En la antigua Roma, hubo un célebre arquitecto, de nombre Marco Vitruvio, que estableció la “Ley de la sección dorada”.
Esta nos dice:
"Para que un espacio dividido en partes desiguales resulte agradable y estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor, la misma relación que entre esta y la mayor”.
Su expresión aritmética es igual a 1,618., para hallar la división ideal, debemos de poner en practica esta formula
Multiplique el ancho de la tela por el factor 0,618 y obtendrá automáticamente la división de la sección dorada. Por último, repitiendo la operación respecto al alto de la tela, obtendrá un punto considerado IDEAL para situar el elemento principal de su cuadro.

Tomando el cuadro de Velázquez “La adoración de los reyes Magos”, tenemos la cabeza del Niño Jesús, justamente en el punto exacto de la sección dorada.
El cuadro de Velázquez mide 200 x125 cm. Multiplicando 200 por 0,618, obtenemos en números redondos 123; y multiplicando 125 por 0,618, tendremos 77. En el cruce de estas medidas se halla el punto de la sección dorada. Este mismo punto puede situarse a derecha o izquierda, arriba o abajo.

Dibujo decorativo

“Una característica distintiva de la pintura japonesa es la fuerza de la pincelada (…).Al representar un objeto que sugiere fuerza, por ejemplo un acantilado rocoso, el pico o las garras de un tigre o los troncos y ramas de un árbol, en el momento en que se aplica el pincel el sentimiento, de fuerza debe ser invocado y sentido a través de todo el sistema nervioso del artista e impartido por su brazo y mano al pincel, de modo que se transmita al objeto pintado”
Henry P. Bowie
En las leyes de la pintura japonesa, 1911.

Un dibujo, no es necesario que sea idéntico al mundo que vemos puede ser solo decorativo.
En las láminas japonesas, aun siendo dibujos bidimensionales nos llama la atención que tengan movimiento.

Durante mucho tiempo en Occidente se pasa por alto la factura del cuadro, de esta forma se anula la huella personal del artista. Los orientales han valorado esa huella como la expresión propia del hombre y la han dominado, para transmitir sus sensaciones: miedo, energía, seguridad etc. Todo esto se perciben por el trazo y el espectador queda atrapado.
Líneas planas decorado superficies planas y no es necesario vincularlas a lo figurativo. Los artistas islámicos experimentan permutaciones muy refinadas del dibujo abstracto. Tal vez la prohibición de no representar seres vivos, nunca se cumplió estrictamente, y favoreció la larga tradición del arte no figurativo, sus estructuras hacen pensar en algún complejo sistema matemático.

Un día, una señora que visitaba al pintor Matisse en su estudio hizo el siguiente comentario:”Estoy convencida de que el brazo de esta mujer es demasiado largo.” Matisse respondió cortésmente:”Madame, está usted equivocada. Esto no es una señora, esto es un cuadro”

Karel Appel

"Estoy haciendo una vigorosa obra primitiva, más vigorosa que la de los artistas negros y la de Picasso.¿Por qué?Porque yo sigo el siglo XX, procedo de Picasso...He atravesado el muro de la abstracción, del surrealismo, etc. Mi obra lo contiene todo.No tienes que sentirte encerrado en un compartimento."

Karel Appel Carta a Corneille
Navidad de 1947-1948


Creeping cat

Karel Appel (Amsterdam 1921) es quizás el pintor más conocido del grupo cobra(bautizado así por las primeras letras de las ciudades de donde procedían sus miembros -Copenhague, Bruselas y Ámsterdam). La serpiente cobra, peligrosísima y sagrada a la vez, fue elegida como símbolo de este movimiento combativo nacido después de la Segunda Guerra Mundial en los países Bajos y en los nórdicos. Sus miembros entendían la expresión creadora como un derecho universal y la herramienta reconstructora de un mundo mejor.La pintura del grupo se caracterizaba por unos trazos espontáneos, vitalistas e impulsivos, reivindicando la libertad artística total. El mismo Appel manifestó este espíritu contundente " pinto como un bárbaro para estos tiempos bárbaros ". El enorme mural creado en 1949 para el Ámsterdam City Hall causó tal polémica que se mantuvo oculto durante una década.

Bebieron de las fuentes primigenias de la creatividad humana aún no contaminadas por las normas y convenciones occidentales: Tótems y signos mágicos de culturas primitivas, la caligrafía oriental, arte prehistórico y medieval, arte popular, arte naïf y creaciones de niños y personas con discapacidades psíquicas. Buscaban una regresión consciente a esas imágenes arquetípicas que el psiquiatra suizo Carl Gustav Jung localiza en las capas más profundas del subconsciente.

Trazos, Gestos ,Pasión...

"Para nosotros, el gesto ya no será un momento fijado del dinamismo universal; será decididamente la sensación dinámica eternizada como tal"
Manifiesto ténico de la pintura futurista,1910

Si nos dejamos llevar por el trazo, nos vamos a un segundo nivel perceptivo" El táctil", existen obras en las que el artista parece dirigirse directamente al espectador y es atrapado por los materiales invitándole incluso a tocarlos, estamos en un nivel en el que el impacto físico es superior, si tenemos en cuenta que el tacto es el más primario sentido del ser humano.

El artista a través del trazo se adentra en un trabajo de auto conocimiento personal. Por el gesto libera su propia energía y con ella sus pasiones. De esta manera es su caligrafía que revela su personalidad.
Por lo tanto se adentran en métodos que fomentan el descontrol, la pintura automática, La pintura en acción.


Action painting (pintura en acción) este término lo aplico por primera vez el crítico Harold Rosenberg Para definir a un grupo de pintores norteamericanos que floreció en la década de 1950, los cuales consideraban el cuadro un espacio de acción. Los pintores de acción valoraron el proceso por encima del contenido, la expresión subjetiva e inconsciente, la ejecución espontánea, el accidente, el azar. Influenciados por artistas surrealistas europeos.
Pillen De kooning, dejo fluir el inconsciente a través de una representación de la figura femenina de ejecución salvaje, desde el desgarro y la pasión.
Estos pintores desean comunicar al espectador la autentica actividad de la pintura, invitar a participar indirectamente en la experiencia física del pintor.
Jackson Pollock deja gotear pintura, arrojándola sobre el lienzo y esparciendo la en un lienzo puesto en el suelo. El resultado es agradable pero deja testimonio de la acción del cuerpo del pintor.

Franz Kline trabaja con el pincel de una forma más convencional, con un pincel muy grande cargado de pintura, manejándolo libremente trazando líneas enérgicas sobre un gran lienzo.

Genios II

El término de genio ya no es favorito entre los académicos, Pero sigue siendo bastante popular tal vez algo machacado. Tenemos necesidad de genio, aunque nos produzca incomodidad o tal vez envidia. Posiblemente anhelamos lo trascendental, lo extraordinario. Pero esta herencia común nos abandona con lentitud y creo que nunca eternamente. Todos sabemos la diferencia entre talento y genio .El talento era el dinero que sin importar cuan grande fuese, era ilimitado. Pero Genio, incluso en sus orígenes lingüísticos, no tiene límites.
”Es una fuente en la cual hay más detrás que lo que emana de ella”


Se supone que cada uno de nosotros puede localizar en si mismo lo que es mejor ¿Pero como encontramos lo más antiguo? ¿Dónde empieza el yo?
Nuestro reconocimiento del genio siempre es retrospectivo ¿pero en que momento se reconoce el genio a sí mismo por primera vez?
La respuesta antigua es que hay un dios en nuestro interior y el dios habla. La definición materialista de genio es imposible, esta es la razón por la que la idea de genio está tan desacreditada en la época de predominio materialista.
El genio invoca lo trascendental y lo extraordinario y es plenamente consciente de ello.
Es la conciencia lo que define el genio. El genio autentico tiene la cualidad de absorbernos. Absorber, atraer toda nuestra atención e interés, consumir enteramente
Que es lo que se aprecia en el genio? Todo esta en nuestro interior, son verdades que estan desde siempre, es Dios el que desde nuestro interior responde al Dios del exterior.

“Al ser tocada por lo verdaderamente sublime, el alma se exalta naturalmente, se eleva hasta la orgullosa altura, se llena de jubilo y jactancia, como si ella misma hubiese creado esta cosa al oído”.
Tal vez no este de moda, lo trascendental, lo divino. Pero creo que todos tenemos la esperanza de encontrarnos con lago extraordinario.

No sabemos por qué ni como es posible el genio, sólo que ha existido y que quizas, cada vez menos sigue apareciendo, muchos son los impostores que dicen que el genio es un mito.
El romano antiguo presenta una ofrenda a su genios el día de su cumpleaños dedicándole ese día al dios de la naturaleza humana, como llamaba el poeta Horacio al espíritu tutelar de cada persona. Nuestra costumbre de la tarta de cumpleaños desciende directamente de esta ofrenda. Cuando encendamos las velas, haríamos bien en recordar qué es lo que celebramos.

Oido hace tiempo.

En un lejano país existió hace muchos años una ovejita roja.
Fue fusilada
Un siglo después, el rebaño arrepentido le levantó una estatua ecuestre que quedó muy bien en el parque.
Así, en lo sucesivo, cada vez que aparecían ovejas rojas eran rápidamente pasadas por las armas para que futuras generaciones de ovejas comunes y corrientes pudieran ejercitarse también en la escultura.